cinódromo

La invención de Hugo/ Martin Scorsese/ Estados Unidos 2011

2012-02-27T12:16:00.001+01:00

Lapelícula de Martin Scorsese es un homenaje a los iniciosdel cine y un entusiasta reconocimiento a la figura de George Méliès; esto seapreciará muy bien en el personaje del escritor y crítico cinematográfico René Tabard.La faceta de Méliès de ilusionista yvisionario de las posibilidades que ofrecía ese nuevo invento descubierto porlos hermanos Lumiére, hicieron de élun pionero del nuevo arte que comenzaba a dar sus primeros pasos. Pero tras elarranque y el éxito llega el olvido y la soledad. De la grandeza de su empresay la fama conquistadas se pasará, por culpa de una guerra y los cambios habidosen el negocio, a un anonimato que lo sumergirá en un mundo gris y sin esasilusiones que tanto necesitaba para vivir.

Peroantes hay que hablar de un niño llamado Hugoque trabaja con su tío en el reloj de la torre de la estación de trenes parisinade Gare Montparnasse, un lugar donde Mélièstiene ahora una juguetería y en la que Hugotoma prestadas piezas mecánicas para arreglar el autómata que le ha conseguidosu padre. Uno y otro, Hugo y Méliès, tendrán un primer contacto nodel todo amable. Un libro con unos dibujos especiales que parecen cobrar vidapropia cuando se pasan sus páginas, y que Hugoguardaba con especial cuidado por tener las instrucciones de su padre paradevolverle la vida al autómata, servirá para despertar en Mèliès un pasado que había sido glorioso y feliz, pero que sevolvió triste por el declinar de su negocio a causa de la guerra y de las deudas contraídas.

Nosencontramos a primeros del siglo XX en una estación de trenes en la que vive Hugo. Desde su refugio en la torre delreloj el niño contempla entusiasmado retazos de vida. Ya conoce alguna gentehabitual del lugar y sigue sus pequeñas historias con interés. Vive en un mundoen el que la imaginación y lo misterioso lo son prácticamente todo. Así seentretiene Hugo, procurando que nuncadesaparezca la magia, una magia y un misterio que no dejan de faltarle a sunuevo amigo mecánico que le ha regalado su padre, pero que no funciona, elautómata misterioso, vamos a denominarlo. Hugo,a pesar de sus distracciones llenas de poesía, se siente en ocasiones solo ydesamparado. Pero una niña, la ahijada de Méliès,será una buena ayuda para que Hugo nopierda la esperanza en la gente. Ella querrá ayudarlo y entenderlo, enprincipio por querer vivir una aventura parecida a la que viven los personajesde las novelas que lee, después porque empieza a entenderlo y sabe de susbuenos propósitos. Porque todo el mundo, según el propio niño, tiene unpropósito en la vida que cumplir para sentirse realizado, para completarse, sinoserá un fracaso, como si estuviese estropeado, como le sucede al autómata queguarda. ¿Cuál puede ser el propósito del niño en la vida? Supongo que ayudar ala gente (lo mismo que hace ahora Isabellecon Hugo) que se lo merece y vivirfeliz como podría quererlo cualquier niño, pero en este caso con las dificultadesevidentes debidas a su desoladora situación personal y familiar.

El cineayudará a Hugo a evadirse y sentirsemejor, como cuando iba con su padre a ver películas; ahora, sin embargo, nopuede hacerlo tan habitualmente. Los sueños que genera el cine son un buenantídoto contra la soledad y la tristeza, parecido a lo que ocurre cuando seconvierte en un Voyeur inocente escondido detrás de las paredes de la torre dela estación e imagina historias en las que la magia lo inunda todo.

La invención de Hugo habla de la niñez, de su mundomágico lleno de imaginación y fantasía (¿No os suena de algo: un tipo de cineque ha hecho Spielberg?), de cómo el cine o la literatura pueden influir en lavida de un niño; y todo en un ambiente de autómatas, teatro de variedades,magia, cine experimental…un mundo en el que se movía muy a gusto Méliès y que encaja en el mundo de Hugo y de su ahijada Isabelle.

Menciónespecial a la formidable dirección artística, recargada (Un Parísintensificado, como dirá el mimo Scorsese), deslumbrante, de un detallismominucioso, denso, magnífico. El marco es un puro espectáculo en sí mismo yllena de magia (otra vez la dichosa palabrita, pero es que es clave) lahistoria que se nos presenta en forma de cuento; ahí es donde nos encontraremosdrama, aventura, intriga y muchos sueños que encontrar por el camino.

Datonegativo: La historia del niño, sobre todo al principio, resulta mucho menosemocionante e intensa de lo que cabría esperar al conocerla. Scorsese pone suidea con dinero y unos decorados descomunales de un modo frío, muy calculado,sin esa magia de la que tanto hablamos y que tan bien le iría si Scorsese lahubiera sentido de verdad.

Datopositivo: El dato negativo aludido va tornando hacia la cara opuesta (la buena)cuando la figura de George Méliès va teniendo más protagonismo ynos introducimos en su cine, en su mundo, y todas las referencias al cine mudoque aparecen y que experimentan en primera persona Hugo e Isabelle… y gana muchomás cuando aparece el personaje del escritor y crítico René Tabard; es en esosmomentos cuando lo emotivo cobra importancia, engrandeciendo la película yhaciéndola un verdadero canto al mundo del cine y las ilusiones que produce.

A pesardel dato negativo me parece mejor película Lainvención de Hugo que The Artist,la triunfadora en la noche de los Oscar, si bien es cierto que la francesatambién me gustó bastante.

Estreno Cine

Pasión de los fuertes/ John Ford/ Estados Unidos 1946

2012-02-23T11:22:00.003+01:00

Gran western del maestro John Ford que habla sobre el legendario duelo acaecido en OK corralentre los hermanos Clanton y parte delos hermanos Earp, ayudados estosúltimos por el amigo de la familia, DocHollyday, un doctor- pistolero famoso allá por donde va por los cadáveresque suele dejar a su paso.

Nada más comenzar la película, de violencia primitiva yemociones aplacadas para demostrar esa fortaleza tan necesaria para sobrevivir,se nos presentarán unos Clantonamenazantes (de una hosquedad natural que atemoriza) que llegarán al límite delo permitido, sobrepasándolo sin parecer preocuparle la posible represalia quepudiera caer sobre ellos. No sólo demostrarán los Clanton su desaprensión sino también una violencia demasiadopeligrosa para los que caen en su radio de acción. Doc Hollyday compartirácon ellos una temeridad que hace muy peligroso al individuo que la tiene; en elcaso del doctor, sin embargo, se pondrá de manifiesto por una enfermedad quesabe que lo llevará muy pronto a la tumba, con lo que poco o nada tiene queperder.

Se sospecha que el doctor Doc Hollyday es unaespecie de héroe- pistolero enfrentado a las injusticias. Seguramente losmuertos que lleva tras de sí eran hombres que no hacían ningún bien; él seencargaría de despacharlos con una valentía que lo haría famoso. Wyatt Earp sabe de sus andanzas y, más o menos, el tipo de hombre que es,de ahí que no le importe entablar conversación con él cuando Hollyday muestra su fuerza llena derudeza y maneras poco delicadas al sacar de un salón a un hombre que hacetrampa a las cartas. Se ve que a ese hombre ya lo conocía de antes y no legustaba lo que hacía (papel de protector de las causas justas). En el salón todos tiemblan por la contundencia de Hollyday, pero Wyatt se acerca a él igualmente y le habla con amabilidad. Eseprimer encuentro resultará intenso, genuino, curioso, atrevido, respetuoso, unainicial toma de contacto con la que se cimentará su amistad y el compromiso de Hollyday hacia los hermanos Earp y de éstos hacia Doc Hollyday.

El duelo viene gestándose desde un tiempo. En OK corralsólo se produce un desenlace que se veía venir de lejos. El enfrentamientoentre las dos facciones enfrentadas conduce a la matanza. Los dos grupos son duros,unos sin principios, otros con una moral más noble. Los Clanton corresponderían al Liberty Valance del hombre que lo mató :-) , pero sin un descaro tan histriónico producto de sucondición de delincuente famoso y temido ... los Earp y Doc Hollyday equivaldrían a Doniphon, pero con un Hollyday con algún que otro matiz másoscuro del que carece Doniphon por ese tormento que arrastra consigo y que lohace desafiar todo lo que no le gusta, aunque también es cierto que algo de esose vislumbra en Doniphon cuando sabeque ha perdido (si algún día la tuvo) irremediablemente a Hallie. Eso hará de Doc Hollyday alguien peligroso que en su aveces subjetiva percepción de la realidad se juega hacer verdadera justicia oequivocarse en las elecciones que hace.

Esta guerra es iniciada por unos Clanton primitivos, crueles, ladrones y asesinos...ahí es nada. Unabuena panda a la que temer. A pesar de eso, cuando tienen su primera baja en elenfrentamiento, se tomarán el hecho muy mal y reaccionarán como lo podría hacercualquier mafioso que se quisiera tomar una vendetta personal por tocar lo másimportante (en eso todos seríamos iguales, buenos y malos): la familia.

Los golpes de humor visceralmente irlandeses llenos dechispa, o sutiles, a veces de fino desenfado, son un contraste ideal quesuavizará todo lo dramático que contemplamos. Algo muy propio del estilofordiano que hace más entrañable ycercano lo que nos suele contar.

Infierno blanco/ Joe Carnahan/ Estados Unidos 2012

2012-02-18T13:24:00.005+01:00

Un grupo de gente que trabaja como buscadores de petróleo en Alaskatiene un accidente de aviación en plena tundra subártica. Entre ellos viaja un cazador delobos que trabaja para la compañía. Las condiciones de supervivencia seránextremas no sólo por la gélida climatología, la nieve y los abruptos parajessino por un vecino poco hospitalario, el lobo; para colmo de males el avión hacaído en un radio que entra dentro de esos 50 km malditos en los que seencuentra la guarida del lobo. Los hombres se convertirán en intrusos yamenazas para la manada. Por todo lo expuesto la situación del grupo se haceinsostenible, dramática, angustiosa, pura supervivencia que no tiene trazas deconsolidarse.

En Infierno blanco estamosante el cazador cazado (o que podría estarlo), ante una lucha titánica porsobrevivir en la que el coraje y la ayuda en grupo es vital. Intentar que elmiedo no te pueda será una constante. La muerte está presente durante todomomento, acechando, como los lobos sedientos de sangre, y el pulso paradespistarla se hace entretenido durante la primera parte de la película;después, la fuerza y agilidad del principio va a menos, deshinchándose en loimportante, en la acción, en lo que tiene que ver con el género que trata, unade terror en situaciones límite, podría denominarse un horror natural conanimales, ya sabéis, de ese tipo de peli que se tiene visto, con mayor o menordosis de fantasía, en títulos como LosPájaros, Tiburón, Anaconda o Piraña (Estas dos últimas para olvidar, por cierto)

Me hubiera gustado más que explotasen la aventura y el horror, la acción,todo lo que tenía que ver con la organización del grupo y las interacciones queen él se daban, y menos el lado existencial y emocional de los personajes,tratado con cierto lirismo casi casi a lo WaltDisney, que resultaba como un pegote, aunque formara parte de esainteracción, sobre todo del cazador y esos recuerdos que le asaltancontinuamente, volviéndose repetitivos y que poco nuevo aportaban al personaje,tan sólo que su vida ya no tenía el mismo sentido desde que su mujer lo habíadejado.

Aquellos hombres se suponía que eran duros, como se dice al inicio: delo peor de la sociedad, y luego resulta que se comportan como alguien de lo másnormal y hablan de sus vidas como lo haría cualquier padre de familia de unateleserie familiar…No, no cuela, o por lo menos a mí no me convence. Creo quees en los sentimientos de los que se habla en momentos de respiro, como el amory el miedo, cuando el film pierda interés. No me gusta como está hecha lamezcla. Cuando entramos en la intimidad de los personajes, ésta se vuelvemeliflua, simplona, demasiado tierna como para que nos la creamos del todo enuna situación similar. Creo que eso se podía haber tratado mejor, con más gusto(para mi gusto), sin tanta repetición, sobre todo en lo que tiene que ver conla existencia del cazador y sus recuerdos, de un modo más realista, e inclusodándolo un poco más de profundidad… más profundidad, más contundencia y menosrepetición y simplificación poética, sería el resumen de esta parte. No sé, mepareció demasiado dulcificado todo esto, y el contraste con lo otro, lo terrorífico,creo que en el presente caso no termina de combinar bien. Y para los que son dela opinión de que alguien primitivo y hosco puede volverse tierno y mássociable en una situación parecida, decirle que posiblemente tengan razón, loque ocurre es que contar algo así sería como contar otra película que no tendríanada que ver con esta.

En fin, que el inicio es bueno, prometedor, interesante. Al poco ratola cosa va perdiendo gas y el globo, como comenté anteriormente, se vadeshinchando inevitablemente, eso no ayuda, y menos cuando comienzan a darseefectismos que empiezan a tocarte las narices e irregularidades que resultanbastante inverosímiles, dentro de la inverosimilitud de toda la película (peroque la aceptamos y podría estar cojonuda, porque nos sumergimos en un género alque se le permiten ciertos condicionantes y señas de identidad que lo ayudan abrillar), como que los puñeteros lobos aparezcan no cuando quieren ellos ypodría resultar creíble sino cuando le sale al director de los mismísimos,ayudando a que la ficción avance. Si no fuera así, la peli hubiera durado bienpoco.

Un apunte más: el final es muy bueno (el final final) y podría habersido aún más emocionante, sin haberlo tenido que cambiar en nada, si la peli yel personaje principal, un Leam Neesoncon gran presencia y muy bien metido en su papel, hubiesen tenido un componentemás legendario. Es un final absolutamente épico y el cambio lo hubieraengrandecido.

Estreno Cine

The Warriors/ Walter Hill/ Estados Unidos 1979

2012-02-09T13:39:00.001+01:00

Se va acelebrar una asamblea con Zyrus, ellíder político y “espiritual” de las bandas más importantes de la gran ciudad.En esa fecha señalada Zyrus propondráun plan que cambiará la situación actual de los que siguen su causa. Pornúmero, los integrantes de las pandillas deberían ser los dueños de las callesy aprovechar en su beneficio esa fuerza. Lo que propone el líder es tener máspoder. Ni policía ni mafias serían un obstáculo si estuviesen juntos, y ahoraque hay paz ese objetivo se podría conseguir.

Zyrus está decidido a llevar a cabo el plan; todoslos representantes de las bandas que se juntan en el “cónclave” (la reunióntambién servirá para ratificar al líder Zyrus,una especie de cuestión de confianza…) acabarán por apoyarlo en su proyecto.

Alacontecimiento acudirá, entre otras muchas, una banda poderosa, Los Warriors.Este grupo se verá involucrado en una falsa acusación cuando uno de losmiembros de otra banda acusa a Los Warriors de ser los responsables de atentarcontra Zyrus.

Conquela base de ingredientes para el plato está puesta, sólo hace falta algún queotro añadido para que el guiso quede redondo dentro de las posibilidades queofrece el material.

Apartir del enunciado de la entrada la película ser convertirá en unapersecución continua, una caza al warrior por parte de los otros miembros delas bandas y de la policía que había hecho acto de aparición en elacontecimiento donde se produce el atentado contra Zyrus.

Losmiembros de Los Warriors que acuden a la llamada de Zyrus deciden, una vez iniciada su caza, regresar a casa… por elcamino no se dejará de correr, de pelearse y de que surjan trampas para sucaptura.

Unachica se cruzará con ellos en su camino de regreso. Pertenece a otra pandillacuyo territorio tendrán que atravesar Los Warriors; allí acontecerá unconflicto entre ambas bandas; Los Warriors conseguirán escaparse llevándose ala chica, sin demasiada resistencia por parte de ella por motivos evidentes deatracción hacia el jefe de guerra (que así es denominado por los suyos su líder)del grupo.

Y asícontinúa el desarrollo de la historia hasta que se hace justicia poco antes dellegar a su territorio, o ya en él (que eso no me quedó muy claro).

Dosapuntes más: uno tiene que ver con el ambiente de la película; parece unaespecie de realidad alternativa, muy al estilo cómic y de género que tiende alfantástico, o un sueño agobiante parecido al que tenía Paul Hackett en la película de MartinScorsese Jó, qué noche! Cuando la gente del barriodonde va a parar de noche persigue a nuestro protagonista por algo de lo que notiene nada que ver. En ambos films la noche tiene un protagonismo que le da ala atmósfera un componente especial, fascinante, hipnótico. Para mí esto estámejor conseguido en la de Scorsese,aunque es cierto que en la de Walter Hill ese aspecto también tengauna importante presencia. En Thewarriors el día sólo aparecerá cuando los chicos llegan a su destino, a sucasa, y se resuelve la contienda con su principal banda rival, aclarándose antetodos la verdad de lo ocurrido en la asamblea convocada por Zyrus.

Elsegundo apunte sería la ingenuidad que desprende la historia, algo que no iráen su contra sino al contrario, eso le dará un aspecto increíble, peroresultón.

La posada de Jamaica/ Alfred Hitchcock/ Gran Bretaña 1939

2012-02-07T16:10:00.002+01:00

Una casa vieja cercana a la costaconocida como La posada de Jamaica será el refugio clandestino de una banda dedesaprensivos delincuentes dedicados al desvalijo de barcos atraídos hacia ellitoral rocoso. Allí caerán como moscas en una tela de araña y serán saqueadoshasta no dejar ni las migajas…

Una chica ha llegado desde Irlandapara encontrarse con su tía en la posada, pero el cochero que la lleva no paradonde le dice ella ya que el lugar es peligroso e inadecuado para que una joveny bella dama se quede. Es por ello que la joven mujer irá a parar a la casa deun acaudalado e importante caballero que ostenta el cargo de juez de paz de lacomarca. Mary, que así se llama larecién llegada, papel realizado por la pelirroja Maureen O´Hara, le cuenta lo sucedido a Sir Humphrey Pengallan (CharlesLaughton) y le pide que la ayude para llegar al lugar donde se encuentra sutía ya que su intención es quedarse con ella una vez muerta su madre y no tenera nadie más a quien recurrir.

En la posada, Mary descubrirá a que se dedica el marido de su tía (su tíopolítico), el dueño del negocio, el que sirve de fachada y el otro.

Pero el que parecía jefe deoperaciones no es tal, él sólo será un miembro más (puede que importante, talvez el brazo derecho) del grupo dirigido por el verdadero cerebro, un jefe a lasombra tan clandestino como el negocio montado en la posada, y del que sabrátan sólo el dueño de la posada y tío de Mary.

El asunto se complicará no sólopara Mary sino también para uninfiltrado en los negocios de los delincuentes a los que trataba de atrapar. Mary ayudará al infiltrado, un agentedel gobierno, a escapar. Las cosas se le estaban poniendo tan mal que su vidacorría peligro, el mismo peligro que sufrirá ella cuando se escapa acompañadadel agente secreto. Es a partir de ahí cuando los acontecimientos seprecipitan.

Entretenida película de Sir Alfred Hitchcock protagonizada porla estrella Maureen O´Hara y por elimponente y perturbador Charles Laughton,el creador de ese maravilloso film titulado La noche del cazador.

La película de Hitchcock tiene un evidente encanto,curioso en su tono y que llega a tocar unos cuantos géneros cinematográficos alo largo de todo el metraje, algunos entremezclados con no poca brillantez.

Veo aventura en la historia,escenas que podrían haber salido de La isla del tesoro. En esa aventura nos encontramos suspense y misterio,elementos muy típicos en el cine del director británico.

En la ambientación se observancaracterísticas muy románticas, aunque la película en conjunto no se la puedaencasillar en tal tendencia. El mar embravecido, los parajes montañosos, elmisterio que inunda la narración o el peligro por el que atraviesa laprotagonista tienen aspecto romántico.

Me atrevo a decir que seencuentran, además, elementos del cine negro en lo que tiene que ver con lodelictivo, y del cine policíaco. Recordemos que hay un agente del gobiernoinvestigando los naufragios. Este personaje será uno de esos infiltrados quetanto aparecen en esas pelis… Ocurre que la época que recrea es bastanteanterior a la que suelen retratar esas películas  de cine negro a las que nos encontramos tanacostumbrados. En La posada de Jamaicaestamos a primeros del siglo XIX.

Y ahora algo acerca del tono quenos ofrece Hitchcock, un tono que,aunque en su fondo es dramático, no deja de tener su humor y resultar ligero,nada abrupto en sus formas y condescendiente con toda esa oscuridad quepudieran ofrecernos esos personajes a los que no les costaría nada ponerle unasoga al cuello a cualquiera que anduviese por allí molestando.

Apuntar por último que visualmentetiene bastante que ver con el cine mudo. Sus imágenes hablan por sí solas y tienenun poder narrativo eficaz y poderoso; eso hará que los fotogramas en ocasionesganen en intensidad y elocuencia, transmitiendo adrenalina, emoción, suspense…

Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos/ Zhang Yimou/ China 2009

2012-02-02T16:31:00.002+01:00

Versión de Zhang Yimou de uno de los primeros films que hicieron los hermanos Coen, Sangre fácil.
El tono es de comedia tontorrona y tiene su gracia, como la podía tener la de Hong Kong de artes marciales Kung Fu Sion. La violencia al servicio del humor e imágenes llenas de belleza, de postal, de una estética preciosista y atrayente, muy cuidadas y al servicio del espectáculo, aunque el ritmo general sea parsimonioso en la mayoría de las ocasiones.

En un primer momento puedes llegar a creer que va a haber tortas a la oriental a tutti pleni, y esa creencia la tienes cuando presenciamos una escena en la cocina de lo más original en la que se mezcla gastronomía con artes marciales, muy simpática, pero no es así del todo, no hay artes marciales y sí una trama de cine negro en versión china, con reminiscencias sapaghettinianas.

Infidelidad, venganza, engaños y latrocinio por parte de dos bandos diferentes que quieren el dinero que guarda el dueño de la tienda. Un cine sin apenas diálogo, pero que narra eficazmente con imágenes bastante descriptivas, de interpretaciones que van con el tono: bufonescas y exageradas en la mayoría de las ocasiones, y un hombre que no se termina de morir del todo, que resiste lo que le echen, y que querrá su venganza cueste lo que cueste, aunque se tenga que levantar de su tumba para llevarla a cabo. Esa parte exagerada me gustó, eso hizo que la película de Yimou ganase enteros según avanzaba.
Por cierto: los enormes fideos (aunque más bien parecen tallarines) que se zampan los soldados al principio en la tienda debían estar de vicio. Se me hizo la boca agua.

ET, el extraterrestre/ Steven Spielberg/ Estados Unidos 1982

2012-01-26T17:13:00.001+01:00

Es una película hecha con el corazón de un niño. Steven Spielberg afirma que el tema principal de su película no es la relación entre dos seres sino la situación emocional de los niños cuando sus padres deciden divorciarse. En la película no se enfoca a ningún adulto hasta que hace acto de aparición el padre de Elliot, Peter Coyote. A partir de ahí empiezan a aparecer adultos en pantalla; sólo una excepción: la madre del niño sale prácticamente desde el inicio.

Spielberg consigue un producto fílmico bello, de una estética muy cuidada, cómodo de ver y muy bien facturado. En la búsqueda de más dinero para su película tuvo una entrevista con directivos de la empresa de caramelos M&M. Una vez finalizada la reunión, la gente de M&M decidió que no era una buena idea que un extraterrestre comiera caramelos de la casa. Fue entonces cuando el director formalizó un contrato con la compañía de caramelos Hershey´s, rival de M&M. Los Reece´s Pieces que come E.T en la película incrementaron sus ventas en un 65% después del estreno del film. A saber lo que sentirían los de M&M cuando conocieron los resultados.

El rodaje de las escenas filmadas se realizó en el mismo orden que aparece en pantalla. Las primeras imágenes grabadas fueron las del aterrizaje de la nave en el bosque. El espectáculo de luces, colores y formas que aparecen en las primeras tomas fue el banco de pruebas para el resto de la producción. La filmación fue mucho más laboriosa de lo que el director había imaginado. Se inició en Septiembre de 1981, finalizando casi seis meses más tarde, en Febrero del año 1982. El proceso técnico que tuvo que ver con los efectos especiales fue desesperadamente lento, según palabras del mismo Spielberg.
Se gastaron casi 4 millones de dólares, más de la mitad del presupuesto inicial, en la creación de varios ET´s mecánicos y electrónicos para que fueran convincentes a la hora de mostrar sus emociones. Aún así Steven, pese a sus reticencias iniciales, tuvo que recurrir a un enano enfundado en un traje de goma cuando ET andaba. Si hubiese escogido la otra opción se hubieran gastado más de 2 millones de dólares extra para hacer que ET caminase sobre sus propias piernas. El actor encargado de hacer andar a ET en la secuencia en la que Elliot y su hermana Gertie lo sacan a dar un paseo cubierto con una sábana es Pat Billon. Desafortunadamente este actor morirá a las pocas semanas de acabar el rodaje.

Para la voz de ET, y tras múltiples pruebas con actrices diversas, entre las que se encontraba la popular Debra Winger, se decidió contratar a la profesora de locución Pat Welsh, una viejecita con dificultades respiratorias producidas por su gran afición al tabaco. La mujer dobló a ET en multitud de lenguas.

        El diseño de ET lo llevó a cabo Carlo Rambaldi componiendo su rostro con una mezcla de los rasgos de Einstein, un gato y un bebé.

        Fue la primera película de la compañía de Spielberg Amblin Entertainment, es por eso que el logo es un niño montado en una BMX. Debido al éxito descomunal en los cines, el film del niño y su amigo extraterrestre estuvo en pantalla en algunos lugares durante un año entero.

La banda sonora de John Williams entusiasmó tanto a Steven que éste decidió montar unas cuantas escenas más para que encajasen con los acordes de la música y no al revés, como es lo habitual.

La fotografía, como en todas sus películas, es perfecta y la que mejor podría encajar en un tipo de película como esta donde todo es diáfano y sin ninguna ambigüedad en un mensaje lleno de compromiso, amistad, solidaridad con lo diferente y que corre el riesgo de no ser entendido y sí atacado por intereses no del todo claros, se supone que del gobierno o de alguna institución que tenga que ver con esa parte de la ciencia de la que los organismos oficiales no hablan, como una agencia a lo expediente X, pero que está ahí y de la que nos podemos aprovechar (o se podrían aprovechar unos cuantos); lo malo sería un mal uso de lo que se descubriría y sin tener en cuenta el objeto de esa intromisión, perfectamente justificada por algunos, intolerable para otros, y que podría acabar mal; me refiero, como no, al extraterrestre protagonista de la historia, pura ternura y nada agresivo como otros alienígenas varios de películas de ciencia ficción con marcado carácter de género de terror tipo Alien o Predator, aunque esta ET, el extraterrestre comience con una atmósfera de misterio que nos pone alerta antes de que el visitante entre en las vidas de una familia que lo recibirá muy bien. Y es un niño el que no va a consentir que su amigo sea utilizado o que se le haga daño; él lo cuidará y lo querrá (hablo como un niño, lo sé, pero es lo que procede), él será un héroe para ET y ET será un ejemplo para el niño y su familia.

La hostilidad hacia el extraterrestre se palpa en la película. Hay mucha linterna en esas noches. Los hombres que persiguen a ET están impersonalizados como en cualquier episodio de dibujos animados donde el protagonista es un ratón, un perro o un gato cualquiera y en el que los humanos también son cosificados al no enseñarnos sus caras, como ya mencioné anteriormente, y sí alguna parte concreta del cuerpo como sus pies o su espalda, es entonces cuando cobran más importancia esos ratones o gatos en esos episodios de dibujos al convertir a los humanos en amenazas. En ET ocurre igual: los hombres que aparecen son tratados de forma impersonal para acentuar esa amenaza latente, y de ellos se ven tan sólo sus pies atravesando un charco de agua en un bosque a las afueras de una gran ciudad, y donde una nave extraterrestre acaba de despegar, o un llavero que se fijará en la mente de los espectadores con un significado de peligro para nuestro simpático protagonista, que con todo esto cobrará más importancia y con el que nos sentiremos mucho más identificados. También son una amenaza los hombres de blanco que salen al final de la película y aparecen con trajes de confección espacial, todo muy espectacular y bien visto; lo que ocurre es que aquí no ocurre como con los hombres que persiguen a ET al comienzo. En este caso hay un componente más humano y no la oscuridad de los hombres impersonalizados del inicio que no se sabe ni quiénes son ni de dónde salieron (aunque seguramente al final unos y otros perseguidores pertenezcan a la misma agencia del gobierno).
Los hombre de blanco con cascos futuristas no pueden ser malos, al menos todos, porque uno de los que componen el grupo es nada menos que el padre del niño protagonista que un día soñó que viviría lo mismo que está viviendo ahora su hijo pequeño.

             Aunque Spielberg suele manejar muy bien el aspecto emocional en sus películas, gestionándolo a las mil maravillas, y siempre desde la manipulación, con unos cuantos trucos que resultan, en ET no me gustó del todo la emoción fácil que suele surgir en algunos momentos, que nos emociona, sí, pero que no deja de ser un tanto lacrimógeno de más y fastidioso, por lo menos para el que escribe esto y cuando la vio.
            De todas formas creo que ahora no me disgustaría tanto ese aspecto porque con el paso del tiempo uno se vuelve más sentimental, casi como un niño. Tendría que verla de nuevo para saber con certeza lo que podría sentir.
           Pero es lo que hay: esta es una peli para todos los públicos con una especial atención hacia los más pequeños. Una película altamente recomendable y bastante bonita, con imágenes que pasarán a la historia, como la de los niños volando en bicicleta por el cielo atravesando una enorme luna llena…

Braindead (Tu madre se ha comido a mi perro)/ Peter Jackson/ Nueva Zelanda 1992

2012-01-22T14:01:00.003+01:00

No sé por qué le han puesto en castellano a esta película de Peter Jackson Tu madre se ha comido a mi perro ya que esa sólo es una anécdota de tantas otras similares. No le queda demasiado bien el título añadido.
Esta película de Jackson es cojonuda. No es nada seria por el género que toca, pero tiene muchos valores. Hay gore divertidísimo y excesivo hasta sobrepasarnos en un tono de comedia que tan sólo entra en el terror en sus formas aparentes. Su esencia es claramente cómica, de un humor surrealista y macabro. Por momentos te asalta la idea de que bien podría haber sido la película que los Monty Python hubieran hecho si se hubiesen metido a hacer gore.

Una madre que no quiere que su hijo salga con una, como dice ella, profesional (menuda coña!! :-) se transforma en algo así como una zombie por la mordedura de un mono maldito. Eso hará que la mujer resulte prácticamente indestructible, por lo que deshacerse de ella será poco menos que una proeza digna de todo un superhéroe.

Lo que empieza como una especie de Posesión infernal en las formas, como en la de Sam Raimi, cuando la mujer comienza a experimentar las mutaciones, y en los primeros y sucesivos contagios, como con las pelis de zombies de toda la vida, de los desafortunados que caen bajo la maldición de seres tan abominables, se irá pasando, según avanza el film, en una fiesta descomunal de zombies, un espectáculo digno de ese público al que le gusta lo más grueso y pringoso, cocktail lleno de sangre, vísceras y acompañado de mucho humor negro.

En lo que tiene que ver con lo irreverente y festivo semejaría a lo que contemplábamos en la película Gremlins; si no sólo hay que fijarse en la escena en la que un cura reparte hostias sin bendecir porque trabaja para el bueno (o sea: El Señor) y tiene que deshacerse de los malos, o sea: los zombies, cuyo propósito (aunque nunca se sabrá con certeza sin conscientemente o no. A saber si los zombies tienen conciencia!?) es propagar el caos y la destrucción.

Agilidad y contundencia en la dirección hacen de Braindead un enorme divertimento con mimbres de la serie B, muy ingeniosamente utilizados. Jackson vale para esto del cine, es como un Spielberg a la neozelandesa, pero no tan niño en su visión de la vida.

Rififi/ Jules Dassin/ Francia 1955

2012-01-18T18:55:00.002+01:00

Jules Dassin hizo su primera película en Francia tras su exilio de los Estados Unidos a causa de la caza de Brujas del senador McCarthy con pocos medios económicos y, posiblemente, desencantado con los dirigentes de su país por el clima político de persecución al que se estaba sometiendo a múltiples personajes que tenían que ver con la cultura (los más conocidos pertenecían al mundo del cine) y de los que se sospechaba que sentían afinidad, o pertenecían al partido comunista norteamericano. Esta película está basada en una novela de Auguste Le Breton, y el mismo François Truffaut dijo textualmente: “de la peor novela que he leído, Dassin hizo la mejor película de
cine negro que he visto nunca”

Y es que Rififi es una obra maestra del cine negro, ese cine que tan bien se le daba hacer a gente como Humphrey Bogart, James Cagney o al más reciente Al Pacino. En esta joya en blanco y negro todo parte y todo converge en un robo no sólo contado con precisión sino con una maestría inigualable. En el robo, que dura aproximadamente 35 minutos, no hay ni música ni diálogos; sólo hay miradas, de todo tipo:- expectantes, nerviosas, decididas, satisfechas…-, gestos, una puesta en escena matemática en la que cada pieza tiene que moverse como debe para no estropear nada de lo ideado por un ladrón desencantado de la vida, pero con una cabeza prodigiosa para cometer el tipo de delitos que están perpetrando ahora de forma magistral.

Este cine es de robos, o de ladrones si se le quiere llamar así, pero hay más: es cine negro en estado puro donde personajes del mundo del hampa tienen un protagonismo especial; pero también es drama, pasión, amor y desamor, una película de cine negro que no sólo guarda en su esencia este género sino muchas más cosas. Los personajes que cometen el robo llevan una vida con ellos, un bagaje, que los hace ser como son y moverse de la manera en la que lo hacen; son duros y lo demuestran, como los mafiosos que quieren jugársela a los protagonistas, unos protagonistas donde destaca sobre todo la figura de Tony Le Stephanois, enormemente interpretado por un desencantado y de vuelta de todo Jean Servais.

El pulso del film es decidido. La cámara nunca duda en hacer lo que quiere y tiene que captar. Las imágenes son directas y de una sencillez que las hace cercanas: todo nos llega a las mil maravillas porque Dassin nos cuenta lo que pretende sin querer despistarnos. Esto no es cine experimental (y no lo digo desmereciendo este hecho), es cine clásico y de género negro dirigido por un virtuoso. El componente clásico en la dirección, en la forma de captar las imágenes, se aprecia claramente; pero el montaje tiene algo de modernidad: se hace muy dinámico; parecen pasar muchas cosas y a un ritmo primoroso, aunque sabemos siempre donde estamos porque no hay precipitación, cosa que sí pasa con frecuencia en el cine más actual. Cuando hablamos del guión lo hacemos de una maravilla en sí misma, aunque Rififi esté hecha a partir de una novela que no es tan buena, por lo que parece (no la he leído). Puede que Dassin y su equipo hubieran cogido lo mejor y descartado lo peor que tiene el libro, añadiéndole genialidad y estilo; es así como nos encontramos lo que vamos descubriendo con fascinación y el vello de punta.

¿Y de qué habla Rififi? De reinserción, de fidelidad, de compromiso, de celos y maltratos a las mujeres:- hay un gran crítica al maltrato de género y al machismo- , de venganza, de meticulosidad, de amistad, de castigo, de valores, de delaciones; en resumidas cuentas: de todo un poco lo que tiene que ver con el asunto y que suele tratar este género, hecho con una coherencia y un sentido descriptivo enorme, con un estilo muy apropiado que expresa gran gusto por el buen cine, ese cine hecho con garra y entusiasmo poniendo todo lo que se sabe, que es mucho y genuino, un cine comprometido y de verdad. Obra maestra del cine y, como Truffaut dijo: posiblemente la mejor película de cine negro de la historia.

Corrupción policial

2012-01-08T14:07:00.007+01:00

Al Pacino como FrankSérpico

Es algoque concierne a la moral. Se corrompe algo cuando pierde su naturaleza, suesencia, y es entonces cuando se mancha en sentido figurado.

Lapolicía está para servir y proteger al ciudadano, no para aprovecharse de susituación. Ese interés egoísta por beneficiarse de un puesto que le da poder,mayor o menor dependiendo del grado que ocupe en el escalafón, atenta contra loético de su profesión y contra él mismo como persona.

En locorrupto hay un beneficio, sobre todo económico, pero el corrupto también puede moverse por otras motivaciones.

Harvey Keitel

Alpolicía corrupto se le puede comprar para que colabore en determinadasactividades, generalmente relacionadas con el crimen organizado, o para quehaga la vista gorda y no se “inmiscuya” en los negocios oscuros de gente pocorecomendable y peligrosa. Aquí se aprecia la transgresión de su cometido ya queno sólo hace lo contrario de lo que tiene asignado sino que se aprovecha deello.

No sóloel poder es algo necesario y acompaña a lo corrupto; puede haber simplementeuna satisfacción personal, un vicio, que lo arrastre al delito, porque elcorrupto delinque desde una posición en la que se entiende que debería combatirel hecho delictivo, cualquier delito, y no al contrario, y un vicio podríallevar a un policía a ser alguien corrupto desde su debilidad, si se le puedellamar así (hay quien diría que no todos los vicios tienen porque ser productode una debilidad). Un “pecado” como la degradación sexual sería un ejemploclarificador, apreciándose este hecho en la película mítica Teniente corrupto, de Abel Ferrara,protagonizada por un pasado de rosca HerveyKeitel.

Dave Bannion (GlennFord) y Debby Marsh (Gloria Grahame)

Tambiénhay corrupción si se beneficia a otra gente diferente de uno mismo para teneralgo tan básico como la protección, el estar seguro sin que ninguna amenazapueda caer sobre el, en teoría, defensor de la ley. Aquí lo corrupto estámezclado de intimidación por parte del otro, del que presiona. Podría llegar aser más justificable por debilidad del policía, por miedo a la propiaintegridad o a la de su familia, aunque nunca del todo, ni mucho menos, pues unpolicía sabe a que juega y no puede consentir que una amenaza, aunque la sientacerca e intensamente, le obligue a actuar de una forma distinta a la que supuesto le demanda.

Leslie Lane (CorneliaSharpe) y Sérpico (Al Pacino)

Los sobornados, de Fritz Lang, es una película en la que gran parte del departamentode policía en el que trabaja el sargento de policía Bannion, interpretado con gran contundencia y fuerza moral por Glenn Ford, está corrompido al estarpresionado por altas instancias políticas locales, que se entienden a su vezcon el capo Lagana y su salvajesicario Vince Stone (Lee Marvin).

En lasoledad del héroe que lucha contra todo un sistema establecido y podrido hastasus mismas entrañas la película de Langtiene puntos en común con Sérpico,de Sidney Lumet. Ambos papeles hacende sus protagonistas auténticos Quijotes con causa, la causa de la justicia enun mundo injusto. En el caso de Lossobornados, sorprendentemente, triunfará el bueno intuyendo que lacorrupción no estaba tan extendida como ocurrirá en el caso de Sérpico, con final mucho másdesesperanzador.

Richard Gere y WilliamBaldwin en Asuntos Sucios

El jefecriminal Costello tiene un informanteen la policía, Colin Sullivan, y éste,interpretado por Matt Damon, estáconsiguiendo una posición de poder en la unidad de investigación especial deldepartamento de policía de Boston. En Infiltrados,de Martin Scorsese, hay corrupciónpolicial, pero en este caso concretada en la figura de Colin Sullivan, un tío frío, inteligente y de una moralidadperniciosa que se sabe mover dentro de la policía para su ascenso profesionaly, seguramente, tener beneficios extra dados por su “otro jefe”, Jack Nicholson. En Infiltrados se intuye perfectamente lo que busca un policíacorrupto: sobre todo poder y dinero, aunque con un riesgo evidente.

En lapelícula de Scorsese también haydobles juegos en un duelo, a ver quien pilla antes al otro y lo desenmascara,entre el corrupto Collin Sullivan yel policía Billy Costigan (Leonardo Di Caprio) infiltrado a su vezen la banda del jefe mafioso Costello,protector de Collin Sullivan.

Matt Dammon enInfiltrados, de Martin Scorsese

Enpelículas como Teniente corrupto(1992), de Abel Ferrara, se llega unoa preguntar como un individuo como el que interpreta Harvey Keitel en el papel de policía puede andar por la calle a susanchas haciendo y deshaciendo como le viene en gana.

Lasensación de moverse en la cuerda floja es patente en cada plano, el riesgo esasumido con una temeridad descarada, parecida a la que tendría un loco. Keitel demuestra todo el tiempo lo quees: un corrupto. Sexo, drogas y alcohol son el pan nuestro de cada día. Está enel fondo y no parece que pueda salir de allí. Las deudas de juego no le ayudan.

Sucomportamiento es un síntoma de su estado vital, su existencia corrupta escondedudas y desesperación. ¿Es esa su naturaleza? Quién sabe. Él es lo que hace,pero un final lleno de misticismo cambiará sustancialmente la idea que noshabíamos montado alrededor del personaje. Bueno, eso ya se venía gestandoanteriormente con alguna que otra escena religiosa, pero el final aclararácualquier duda al respecto.

Habrámomentos en los que se crea que Keitelpueda tener problemas psicológicos. Dará la sensación de que quiere que se locarguen por su actitud desafiante ante todo y ante todos. Irá a la deriva,atormentado y sin remedio. Su viaje se convertirá en la crónica de una muerteanunciada.

Teniente Corrupto, deAbel Ferrara

Billy (LeonardoDiCaprio) y Frank Costello (Jack Nicholson)

Enotros lugares esta película de Ferrarase tituló Teniente maldito. Supongoque el hecho religioso tendrá que ver en ello. Y hablando de lo religioso,comentar que un hecho sacrílego alarmará a Keitel,confundiéndolo. A partir de este hecho sus remordimientos de concienciacomenzarán a producir un cambio. Él se declarará católico en una escena entrecompañeros de trabajo mientras haceapuestas de juego, importándole tres pimientos lo que piensen éstos de él. Porel hecho de ser católico se creerá protegido de todo en una especie de delirio.Sus debilidades, sus pecados, serán una carga. Querrá ser perdonado. Será comoel hijo pródigo que quiere volver a casa; se ha descarriado, pero siempre se hasentido dentro de la comunidad que un día abandonó. Keitel será un creyente confundido que ha escogido un caminoequivocado. La redención lo ayudará a salvarse. Hablará con Jesucristo en una especie de alucinaciónllena de culpa y súplicas. Desea sólo el perdón, por eso no hará lo que pretendíaen principio relacionado con los violadores de la monja y sí lo que le pideésta en un acto de perdón, de amor, de bondad cristianas, el mismo perdón queanhela él.

Al Pacino

Dennis Peck no es un simple policía corrupto, es unmafioso con todas las de la ley que patrulla las calles.

Lasinvestigaciones que llevará a cabo RaymondAvilla y su compañera Amy Wallacesobre Van Stretch por abuso deautoridad, conducirá a asuntos internos a iniciar otra investigación porcorrupción policial sobre Dennis Peck,amigo y compañero de Stretch.

Peck parece tenerlo todo controlado y muy bienmontado; trabaja de policía y eso le ayudará en sus negocios. Su vidaprivada es asombrosa: tiene 3 ex mujeres, con las que no ha perdido la relación(en ningún sentido) y que se pasan por su casa como Perico lo haría por la suya, con el sorprendente consentimiento desu actual esposa (Annabella Sciorra)…todo bastante inaudito. Tiene, además, un montón de hijos de todas las relacionesque tuvo; lejos de conformarse con esose lo montará con las mujeres que tenga a tiro y le atraigan, como algunaesposa de policía que parece moverse por interés.

Peck, según él mismo, se embarcará en esosnegocios porque sólo piensa en darle lo mejor a sus hijos, una actitud ymaneras de pensar no sólo temerarias sino de una hipocresía y cinismoasombrosos.

Asuntos Sucios, deMike Figgis

Kathleen Avilla, la mujer de Raymond, el hombre que irá a la caza de Dennis Peck, le servirá a éste para confundir a su esposo; lainseguridad provocada con su mujer le podría servir a Peck para desembarazarse del policía de asuntos internos que loinvestiga. Tocarle la fibra sensible de su esposa a Raymond por ese encanto oscuro que tiene Peck, y que puede atraer a algunas mujeres, le podría servir a éstepara que el agente que lo persigue se extralimite en sus funciones y terminepor arruinar su trabajo. Pero Raymondusará bien sus armas para detenerlo, sea por las buenas o por las malas. Estaparte de la película entre KathleenAvilla, su esposo y Dennis Peck,que conducirá a un final muy dramático, pero muy de telefilm, no hay quien sela crea. Está pillada con hilos muy finos, resultando artificial a más no poder.

Los sobornados, deFritz Lang

En Asuntos sucios, de Mike Figgis, Richard Gere,que interpreta a Dennis Peck, hará loque sea necesario para mantenerse a flote en el gran negocio que tiene, inclusodeshacerse de los que estaban con él, y que eran como de la familia, si sonuna carga. Los engaños, como todo buen mafioso, servirán a Peck para moverse con total libertad e impunidad, por lo menoshasta que comienzan a sospechar de él.

Drive/ Nicolas Winding Refn/ Estados Unidos 2011

2012-01-02T12:03:00.005+01:00

Películarodada en el verano del 2010 en la ciudad de Los Ángeles. Según dice sudirector, sus fuentes de inspiración fueron títulos como A quemarropa (John Boorman,1967), Bullit (Peter Yates, 1968) o Driver(Walter Hill, 1978). Hugh Jackman fue el elegido paraprotagonizarla, pero éste tuvo que dejar la producción por exceso de trabajo. Ryan Gosling comenta en una entrevistaque pasó dos semanas en el aparcamiento de una iglesia con el coordinador delas escenas de acción, Darrin Prescott,haciendo trompos con un Camaro o con algún Mustang. La experiencia fue divertidísima,según Gosling.

Adrenalina, atracción por la velocidad, riesgo. Eso es loque se siente cuando contemplamos las andanzas de este lobo urbano taciturno alque se conoce por Driver.

El control y la seguridad de sí mismo, cierta chuleríasimpática o el hermetismo formarán parte de su personalidad. Sus dotes alvolante son extraordinarias y le servirán para que trabaje de especialista enpelículas de acción (su identidad social) y como hombre contratado en atracosen los que se precisa una huida rápida, en ocasiones no exenta de habilidadpara el camuflaje (una parte de su aspecto oscuro).

Su soledad es promovida por esa violencia que lleva dentro ycon la que no quiere hacer daño a nadie. Ese es el principal motivo que lo haceapartarse de la gente. Pero una mujer, vecina suya, lo hará cambiar. Es cuandosurge el amor cuando se sentirá comprometido con ella y con su hijo… de todasformas puede haber un problema en la relación empezada, aunque sin empezar deltodo, cuando el marido de Irene (Carey Mulligan) sale de la cárcel yvuelve a casa. Pero he aquí la sorpresa, ese giro producido que hace que lapeli no vaya por donde podía esperarse, cuando en vez de iniciarse el conflictoentre los dos hombres por Irene hayun acercamiento en el que Driverquiere ayudar a Standard Gabriel (elmarido de Irene) por un problema de deudacontraído con una gente de la cárcel. Los prestamistas amenazan con cobrar ladeuda no sólo de Standard sino de sumujer y de su hijo. Es entonces cuando Driverse involucra por esos sentimientos que lo obligan a ayudar a Irene y a los suyos, incluso a sumarido.

Drive recuerda uncine ochenteno de género negro y acción, con un envoltorio que en ocasiones recuerda Nueve semanas y media, visto en películas como Ocho millones de maneras de morir, lairregular Vivir y morir en Los Ángeleso Atrapados sin salida. Hay, sinembargo, una violencia salvaje, contundente, sin vuelta atrás que no llega a lafrialdad mostrada en El demonio bajo la piel, pero que sí recuerda lade Taxi Driver.

La noche, o esa soledad y frialdad que aparecen en algunospersonajes, menos cuando tocan la relación sentimental entre Ryan Gosling y Carey Mulligan, marcarán también la personalidad del film, junto auna música tecno retro que nos lleva mejor a los ochenta, una música con muchomás ritmo que sentimiento.

 
Como todo buen thriller de género negro, que aunque nostraslada a los ochenta tiene en ese género negro esencia de los cincuenta (igual que lo tenía el de los ochenta), en Drivehay mafiosos muy duros que querrán cobrar lo suyo, o lo que creen que es suyo,habrá un robo mal elegido que traerá consecuencias dramáticas (tan mal elegidocomo el perpetrado en Antes que el diablosepa que has muerto), habrá venganza y mucha violencia; pero también habráespacio para la ternura, la amistad y el compromiso dentro de una espiraltrágica que conducirá a nuestro protagonista a un final incierto para salvar ala persona que más le importa.

Film del danés NicolásWinding Refn de claras influencias del cine negro y acción de los añosochenta, pero con una violencia más descarnada. De una elegancia fría que le daa las imágenes una sofisticación a lo MichaelMann, y con elementos que ejercen una atracción peligrosa bajo esas lucesde neón (y luces de diverso tipo en general) que aparecen de noche iluminando esagran ciudad en la que pude ocurrir de todo.

Estreno Cine 

Feliz Navidad y feliz año 2012

2011-12-23T16:35:00.005+01:00

JAVIER SIMPSON DESEA UNA FELICES FIESTAS ATODOS LOS AMIGOS DE LA BLOGOSFERA. QUE TENGÁIS TODOS UN GRAN AÑO 2012.

CREO QUE DEBERÍA ADELGAZAR UN POCO PARA PODERDEJAR LOS JUGUETES

El carnaval de las almas/ Herk Harvey/ Estados Unidos 1962

2011-12-21T17:23:00.007+01:00

Serie B que debería considerarse serie A, en mi opinión tripleA ahora que está de moda con las inmorales agencias de calificación que nodejan ni respirar.

Esta película de terror es como si fuese una transiciónhacia la muerte, como si nuestra protagonista Mary Henry aún no se hubiese muerto del todo, pero esté en caminode hacerlo. Este fascinante film de 1962, que seguramente influyó enormementeen David Lynch, muestra ese camino.

Propuesta sugerente y atrevida en una resolución brillante,ingeniosa, hecha con una enorme soltura la que nos ofrece este directordesconocido para mí, un tal Herk Harvey. Desconocía también la existencia dela protagonista, Candace Hilligoss, una mujer de la que apenas se sabe nada (mirépor Internet y de su biografía muy poco; tan sólo que trabajó en el teatro,hizo una producción en gira de placer idiota, con Nina Foch, trabajó en televisión y en el famoso club Copacabana debailarina. Hizo tres películas, fue novelista y estuvo casada con el tambiénactor Nicolas Coster, con el que tuvodos hijos… ¡¡fascinante, como esta peli protagonizada por ella!! ;-) ). La mujer, sin ser una gran intérprete,le sobra físico y erotismo, además de profesionalidad y saber estar; Candance podía haber salido sin ningúnproblema en cualquiera de las producciones de la factoría británica Hammer en donde las mujeres eran sensualmente fascinantes y provocaban en muchosespectadores tentaciones inconfesables.

La música la interpreta obsesivamente un órgano que muy bienpodría ser el mismo que toca la protagonista en la iglesia en la que trabaja;es una música lúgubre, como de entierro, extraña, pero que le va como anillo aldedo.

Hay un accidente de coche en un puente colgante y un río quese traga a las pobres chicas que viajan dentro…unas horas más tarde Mary Henry, que iba en el cochesiniestrado, aparecerá andando en un arenal a las orillas del río…

Apariciones extrañas que salen al paso de la chica y laconfundirán como en un mal sueño, como ya he dicho: muy al estilo Lynch, una actitud extraña, hermética yfría que la hará aislarse de la gente, aunque un médico trate de ayudarla y seinterese de su caso y un vecino de la casa de huéspedes en la que vive Mary también, aunque a su manera y sinser su intención, haciéndola sentir una mujer deseada, tratando de ligársela,pero que se dará cuenta en “su momento” que a la mujer le ocurre algo extraño einexplicable que no le gusta. El chico terminará marchándose de su lado ydejará a la mujer a su suerte, que no es buena, cuando ella más lo necesitaba,cuando buscaba su compañía para seguir sintiéndose parte de este mundo.

Por cierto, la peli es en blanco y negro. Lo digo por si osla encontráis coloreada y creéis que se hizo así… para nada, y la verdad es quecon su fotografía original gana bastante más que con ella manipulada.

Destino final/ James Wong/ Estados Unidos 2000

2011-12-20T17:15:00.013+01:00

La verdad es que comienza bastante bien, con un airemisterioso que le hace tener cierto atractivo, aunque pronto se vislumbranciertos aspectos comerciales que la empiezan a desfavorecer (esos aspectoscomerciales que más me repatean), justo cuando el grupo de chicos que viajan aParís empieza a entrar en el avión, y el protagonista tiene una especie desueño- premonición que hace alarmar al resto del pasaje; ahí es cuando te dascuenta que van a primar más clichés del género que no una historia biencontada de misterio que podría estar francamente bien. Funcionar funciona, comoentretenimiento para el consumo de adolescentes sin demasiadas pretensiones,pero, una vez sorprendido al principio, y sabiendo por donde van los tiros, yano lo vuelve a hacer en ningún momento ni te angustia lo suficiente, y eso, enuna historia como ésta, es un fallido intento de recrear situaciones límite deterror. La idea de la peli es buena.

SPOILER (No leer elspoiler en color azul para no descubrir partes de la película)

La forma en la que explota el aviónen vuelo, una vez que salen del aparato los chicos que van a protagonizar elfilm, con la rotura de cristales y demás, me parece un puro efectismo, nadareal, precipitado y nada sugerente. /FIN SPOILER (Ya sepuede seguir leyendo sin problema)

Cuando el negro de la funeraria les insinúa, como si fuese un gurú, alprotagonista y a su amiga que es lo que ocurre, delante del cadáver de laprimera víctima después del accidente, te quedas medio sorprendido; aunque noterminas de creerte realmente al personaje secundario que sale unos segundos, ymenos dando aquellas explicaciones. Era innecesario, la propia trama iríaexplicándolo todo, porque una vez sorprendidos con los primerosacontecimientos, esas explicaciones sobraban, además de quitarle misterio a lacinta.

La protagonista del film es la muerte, una muerte que se vacargando a los jóvenes protagonistas que la “despistaron” al principio por nosubirse al avión; pero que ahora vuelve con ganas de venganza. Los primerosataques que hace la muerte parecen ser en forma de líquido elemento.

SPOILER (No leer elspoiler en color azul para no descubrir partes de la película)

El primer chico que es asesinado esa causa de un resbalón por culpa de lo que parece ser agua viva, conconciencia, con muy malas intenciones. La manera en la que es estrangulado eschistosa, la verdad, muy aparatosa, como si fuera una especie de maniobra decirco tremendamente espectacular; sólo faltaba un repique de tambores mientrassucedía tal despropósito.

A la profesora que es sorprendida por la muerte en segundo lugar le ocurre algoparecido: el elemento líquido, una vez más, se confabula contra ella (unamanifestación de la muerte como otra cualquiera, podría haberse manifestado enmodo gaseoso, pero tenía capricho de volverlo a hacer en forma líquida. Y otramuerte aparatosa: el ordenador se alió con la urraca negra. /FIN SPOILER (Ya se puede seguir leyendo sin problema)

A muchos les parecerá que este elemento es uno de losmayores atractivos de la película, la manera de, digámoslo así, pillar lamuerte al grupito de desafortunados; pero a mi personalmente no meconvenció ya que es una recreación demasiado desarticulada de la acción,que la entorpece y hace que el ritmo se desajuste; a mi modo de ver hay unainadecuación entre el ritmo normal del film, un ritmo interesante, y el devenirde las muertes, que parecen no acabarse nunca… a los pobres no les da llegadosu fin, y eso debe provocar en ellos gran angustia al concienciarse de talsituación, pero esa angustia, que debería provocar en el espectador su propiaangustia, no es tal, es más bien cierto asombro por tanta torpeza que determinasu propia muerte.

No me convencieron tampoco las coincidencias de los protagonistas en ciertosmomentos. Se encuentran algunas veces de la manera más artificial. Hay una escenaen la que están hablando, en una terraza, el protagonista y la amiga con la quemejor se lleva y aparece de repente el resto del grupo como por arte de magia:la otra pareja del chulito con su novia rubia en coche, el otro de la gorritaen bicicleta, que casi se espeta contra el coche del chulito medio cocainómano;y es entonces cuando se empieza a sospechar que alguien más va a morir…

SPOILER (No leer elspoiler en color azul para no descubrir partes de la película)

…como así sucede.

Pero el protagonista descubre quela muerte sigue un plan preconcebido. La gente que no viajó está muriendo ahoraen perfecto orden al que tenían cuando se encontraban sentados en el avión, yla muerte no parece que se esté saltando dicho orden, por lo que ya pueden conocerquien será el próximo en morir. /FIN SPOILER (Ya sepuede seguir leyendo sin problema)

En esto (en el destino propiamente dicho, y en la muerte ensí, y su forma de manifestarse) hay ciertas similitudes con películas como El séptimo sello (lo sé, es un pecadomezclar estas dos películas, pero es una simple comparación en cuanto aldestino y la muerte, pero nada que ver jajaja), La niebla, de John Carpenter (unapeli en la que unos fantasmas de un barco hundido se vengan de todo un pueblomarinero por su mala vida), o la reciente Señales del futuro. Hay una lucha tenaz contra el destino cruel, y un patrón por elque se guían algunos personajes en dichos films; en Señales del futuro el patrón es claro: el papel con los números, enDestino final el patrón es

SPOILER (No leer elspoiler para no descubrir partes de la película)

el orden de los pasajeros en loscorrespondientes asientos del avión. /FIN SPOILER (Ya se puede seguirleyendo sin problema)

El elemento añadido de la policía para dar más tensión aldesarrollo del guión lo veo un tanto ingenuo. Hacer que el protagonista y los que se salvaron de la muerte en el avión parezcansospechosos es una simplificación vacua de, por ejemplo, lo que era la policíaen las películas de Alfred Hitchcok ylas sospechas que levantaban en “ dicha institución al servicio de losciudadanos” cualquiera de los protagonistas acosados en las pelis del rey delsuspense (éste sí que sabía llevar el suspense hasta sus últimas consecuencias,con rigor y gran brillantez)

En ocasiones se mezcla lo que debería ser verdadera tensión con momentospuntuales de humor, como cuando van en el coche del novio de la rubia y elchico de la gorra le dice al conductor que vaya despacio y que, mejor, noadelante por la derecha, temiendo a que se la peguen y mueran todos,facilitando así la labor de la muerte que los persigue. Aquí hay un momento dereflexión del novio de la chica rubia en el que, al saber que el protagonistasabe el modus operandi de la muerte, y quién será el siguiente en morir, elchico que conduce comienza a acelerar para poder atraerla y decidir asíél realmente como y cuando va a morir y no la misma muerte.

Finalmente creo que hay algo que contradice el guión, todolo que parece ser la trama, el modus operandi de la muerte:

SPOILER (No leer elspoiler en color azul para no descubrir partes de la película)

…en la escena en la que elprotagonista es atacado, cuando conduce en coche para reunirse con su amiga yprotegerla de la muerte, ésta ataca a la chica y a él. ¿Cómo es posible? ¿Acasola muerte no atacaba sólo de uno en uno y siguiendo el orden correspondiente alos asientos del avión? Le tocaba a la chica, si no me equivoco; entonces ¿Porqué la muerte trata de llevarse al otro mundo al chico también si no le tocaba?(Sé que mi argumentación tiene bastante de ingenuidad en la forma deexpresarla, pero creo que eso merece una explicación)

El desprecio/ Jean- Luc Godard/ Francia 1963

2011-12-11T20:39:00.003+01:00

Se está haciendo una película sobre La Odisea y el productor JeremyProkosh quiere cambiar la visión que se da de ella al creer no encajar enel mundo de hoy, queriendo hacer de Ulisesun personaje diferente a como lo concibió Homero.Se trataría de una versión caprichosa en la que Prokosh, papel que interpreta el agresivo (aquí también, como no) Jack Palance, le propone al escritor Paul Javal que la adapte a lo que élquiere. Esto choca con la idea que el director de la película, y que ya harodado parte de ella, quiere darle al proyecto. El director, ¡¡sorpresa!! , esel mismísimo Fritz Lang. Nada de unactor interpretándolo, no, es el famoso director alemán interpretándose a símismo, ya mayor y que se nos presenta con una cabeza muy lúcida.

Todo esto es el contexto en el que está circunscrita estagran película de Jean- Luc Goddard.La historia se centra esencialmente en la relación de Paul Javal, escritor de obras de teatro y encargado de hacer unguión adaptado al gusto del productor, con su mujer Camille, interpretada por la bellísima y muy sensual Brigitte Bardot. Es una historiaespecial, tremendamente lírica, romántica, pasional, que produce una grantristeza por el cambio que se produce en Camille.La mujer pasará de amar a Paul incondicionalmente a un sentimiento dedesprecio hacia él de un día para otro, o mejor dicho: en un momento que escomo un castigo caído del cielo por esos mismos dioses que aparecen en La Odisea y que castigan cuando desean a los que viven bajosu amenaza, dioses que ejercen su justicia divina con crueldad.

En la relación de PaulJaval con Camille hay ternura,complicidad, inseguridad, yo percibo ciertos celos, más por parte de la mujerque del escritor, crueldad, tanto de una parte y ejercida con violencia por elescritor en un momento determinado, como por parte de la chica con su frialdade hipocresía, sobre todo cuando ella ya siente ese desprecio hacia él y aún nose lo ha confesado.

Al ver como se suceden los acontecimientos, descritos conuna sencillez y poesía maravillosas, nos preguntamos lo que tanto enfurece ydesorienta al protagonista: ¿por qué ha dejado de quererlo su mujer? ¿Por quésu sentimiento ha cambiado tan radicalmente pasando del amor a ese rechazomolesto en forma de desprecio? ¿Es una versión a la europea intelectualizada deLa guerra de los Rose en la que seaprecia algo parecido de Bárbara en Camille?

Ella sólo le dice a Paullo que sus actos expresan claramente, que ya no lo ama, pero no le explica porqué ha comenzado a despreciarlo; sucrueldad es manifiesta cuando le contesta, ante la insistencia de Paul para que le explique qué hamotivado el cambio, que nunca le dirá por qué ha pasado, que moriría con elsecreto. ¿No es eso un castigo? Sí, lo es. En la película yo veocomportamientos de Paul que son muycriticables, como que le de una bofetada a la chica cuando se comporta tanfríamente con él, algo que por lo que dice ella no es la primera vez que ocurre.Ese hecho sería motivo para separase de él sin discusión, pero no sólo y, creo,principalmente es eso, hay más. La mujer se ha dado cuenta de que la idea quetenía de su esposo ha cambiado, ya no lo ve igual sino como a alguien extraño yajeno a ella, aunque lo reconozca en muchas otras cosas que no tienen tantaimportancia, es algo que la ha cogido de imprevisto, seguramente. Ese hecho haprovocado su cambio, pero no se conoce el motivo y eso no sólo provocaráamargura y angustia en el escritor sino asombro y cierta crispación en losespectadores.

No creo que el motivo de su desprecio sea porque ella sehaya enamorado de otro con el que flirtea en un momento dado. Eso podría ser unenamoramiento, una especie de flechazo, no se puede saber, sólo interpretar. Sifuera así, si Camille se hubieraenamorado de otro hombre, el hecho podría explicar que dejara de querer a Paul, no que comenzara a despreciarlo.Ese desconocimiento hace de la atmósfera de la película uno de sus mayoresatractivos al pasarse de la ambigüedad a un conocimiento que constata unaobviedad confesada por la mujer, pero que deja la otra duda, la importante, ahídentro como un rescoldo lleno de dudas y culpabilidad.

Crows zero/ Takashi Miike/ Japón 2007

2011-12-01T17:54:00.000+01:00

Supongo que no gustará mucho lo que voy a comentar a losamates del manga, género que no he seguido demasiado, pero que ha ofrecido a lolargo de mediados del siglo XX suficientes cosas de interés, y variadas, que mehan convencido bastante más que la película que traigo hoy en este post.

Crows zero es unmanga superventas en Japón en el que la violencia lo es prácticamentetodo; mediante ella se llegará a tenerel poder suficiente para ser el más respetado en el instituto más conflictivodel país, un sitio donde la mayor diversión es enfrentarse a tortas los de unabanda contra los de otra cualquiera que se tercie y quiera gresca. Hay unprimitivismo exultante y una inocencia enternecedoramente patética en momentospuntuales que no la acabamos de asimilar sin un gesto de disgusto mezclado consorpresa; esos contrastes que mezclan ultraviolencia con sentimentalismofacilón la hacen ser exagerada en cualquiera de los aspectos en los que nosfijemos. Aquí sólo hay peleas y más peleas coreografiadas al más puro estilooriental. No es exactamente una película de artes marciales, pero es como si lofuese. Hay una pornografía de la violencia, aunque no cruda, por el vacío delos argumentos en los que se prima el espectáculo más superficial. No hayningún tipo de realismo, sólo el marco que acoge el esperpento, porque todo esexagerado, y eso es normal al tratarse de la adaptación de un cómic manga, y yase sabe que el manga, en este caso para adultos (también lo hay para niños, opara adolescentes), se centra sobre todo en aspectos como la violencia o elerotismo de distinto tipo y para todos los gustos.

Darse de leches porque sí, para demostrar quien es el másfuerte y valeroso, como en la selva, ese es el argumento de esta película. Porel camino nos encontramos relaciones de estudiantes para ganar adeptos para lacausa del líder y seguirlo hasta la victoria final… si eso no es ingenuo quevenga Dios y lo vea.

De cualquier forma la dirección es ágil y la artísticadestaca considerablemente; por otro lado, estructuralmente está muy bien hecha;el formato la hace atractiva, ayudada por el poder de unas imágenes que sonvisualmente poderosas, aunque en ocasiones esa especie de estética publicitariarecargue. Eso no es suficiente para arreglar un conjunto lamentable por loinsustancial de un guión constreñido y simplón.

La loba/ William Wyler/ Estados Unidos 1941

2011-11-29T12:02:00.003+01:00

Sur delos Estados Unidos. Nos encontramos allá por el año 1900 en un pueblocualquiera en el que abundan plantaciones de algodón y gente que ha conseguidofortuna gracias a su recolección. Entre elpaisaje humano, aunque parte de él muy deshumanizado, además de propietarios defortunas amasadas por el duro trabajo de pobre gente explotada, hay negros solícitos con sus señores y otra gente dedicada honradamente a sustrabajos. Un banquero y un periodista tendrán papeles importantes en este grandrama de William Wyler.

Elnúcleo duro familiar formado por los tres hermanos Ben, Oscar y Regina trata con un empresario llegadode Chicago un negocio que les podría hacer todavía más ricos. Se trata de unaindustria algodonera en la que tendrán que aportar un capital para financiar elproyecto. En principio cada uno pondrá su parte del total, pero ante loscomentarios de Regina, papelinterpretado magistralmente por BetteDavis, de que siendo así su marido Horaceno querrá entrar en el negocio a no ser que se le ofrezca algo mejor, algo queno es como ella dice exactamente, se llegará al acuerdo entre los tres hermanosde que Oscar renunciará a parte de suinversión, cediéndosela a Regina...

Spoiler(No leer el spoiler en color azul para no descubrir partes de la película)

…con laaspiración de que en un futuro no muy lejanoLeo, su hijo, pueda casarse con Alexandra,la hija de Regina y Horace, dueño del banco local y con unaconsiderable fortuna conseguida de una forma diferente, a base de dedicación yhonradez, a la de aprovechados y explotadores terratenientes de mentalidadsureña antigua y dañina. Regina y susdos hermanos no entran tan sólo en este grupo, lo hacen además, y por partidadoble, en el de la gente manipuladora, egoísta y codiciosa, personajes que semueven por puro interés. /Fin Spoiler (Ya sepuede seguir leyendo sin problema)

Comienzanlas prisas cuando Regina tiene queponer su parte del dinero ante la insistencia de su hermano Ben, del que no dispone sino su marido Horace, y éste todavía no ha decididoqué hacer. Vuelto de Baltimore con su querida hija Alexandra para tratar sus problemas de salud coronarios, los treshermanos, principalmente Regina, lohostigan para que de una contestación, aunque sepan de su muy deterioradoestado de salud.

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Horacesabe qué tipo de gente son Regina ysus hermanos, y al enterarse de los planes de boda de su hija con su sobrino Leo, un chico que no sólo no le convencesino que tampoco le gusta, hará que se decida a no dar su beneplácito alnegocio de la industria con los hermanos de su esposa. Regina no se resigna y lo desprecia aún más de lo que ya lo hacía,un motivo suficientemente importante como para que su matrimonio lleve tiemposin funcionar y Horace se sientatriste y decepcionado. Él la amaba y fue un duro golpe ir descubriendo el tipode mujer que era, tan perversa, tan pérfida, tan mala madre; no sólo le duelepor él mismo, le duele aún más por su hija Alexandra,tan distinta a su madre.

Como elnegocio no se puede emprender sin la parte de Regina, entrarán en escena unos bonos de la Unión Pacific,propiedad de Horace, y guardados enuna caja de seguridad de su banco a la que tiene acceso su sobrino Leo, que trabaja allí. Es en ese momentocuando Oscar y su hijo le explican a Ben su plan para robarle a Horace los bonos y devolvérselos una vezproduzcan unos beneficios que se suponen inmediatos. Creen que Horace no tiene por qué darse cuenta yaque nunca comprueba su caja fuerte. /Fin Spoiler (Ya sepuede seguir leyendo sin problema)

Es deese modo, explicado en el anterior spoiler, como los hermanos de Regina podrán seguir con el proyecto dela industria sin contar con su hermana. Benhabla con ella y le comunica que ya no precisan de su participación al no podercontar con el dinero que le podía dar Horacey no tener la posibilidad de conseguirlo de otro modo. Regina le insiste a su hermano preguntándole de dónde sacará laparte que le tocaba poner a ella. Benno se lo dice y ella se desespera al verse totalmente derrotada.

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Pero elplan de los dos hermanos y el hijo de Oscarque tiene que ver con los bonos sustraídos se estropeará cuando Horace, en una visita sorpresa al banco,descubra lo que tanto temían los ejecutores del robo. Horace comunicará el hecho a su esposa y ésta no aceptará que sumarido se pueda tomar la acción delictiva como un préstamo a sus hermanos, delque ella heredará la deuda, y no como una inversión; él nunca lo quiso así. Deese modo Horace echa por tierra laambición de su mujer.

Pero ellano lo puede tolerar y quiere darle a Horaceun escarmiento, tal vez el último... /Fin Spoiler (Ya se puede seguir leyendo sin problema)

Dramaque cuenta una gran historia en la que las relaciones familiares y la trama, declímax envolvente y perturbadoramente malsano, lo son prácticamente todo.

Noimporta el maniqueísmo que hay haciendo de los dos grupos, de los que hablaré acontinuación, o excesivamente malos o muy buenos; eso forma parte del drama yhace que funcione mejor. No es del todo realista, pero la exageración invita aver el hecho moral como ejemplarizante, moralizador, incluso catártico paraaquellas personas que se puedan sentir identificadas con ciertos defectoshumanos, tomen conciencia de los suyos propios y quieran desprenderse de ellospor dañinos. Ese castigo que tienen y merecen los malos, aunque alguno tenga suparticular victoria, es un espejo que podría reflejar los propios pecados dequien contempla los hechos. El ejemplo de lo que hacen los inmorales endeterminadas situaciones de la vida y cómo se comportan los buenos en esasmismas condiciones son claros, explícitos, contundentes en el mensaje. Hayquien gana en su desmesurada ambición, quien sale triunfante en su doble frenteabierto, pero pierde en lo más importante para cualquier persona, a no ser quese sea una loba, y que nunca mereció tener: el amor de los suyos.

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Regina yalo había perdido hacía tiempo con respecto a su marido Horace, sin importarle, y lo ha vuelto a perder ahora con su hija Alexandra, quien a su vez lo haencontrado de un modo reconfortante en David,un gran hombre, tan grande como su padre y con el que el chico se entiende muybien. /Fin Spoiler (Ya se puede seguir leyendo sin problema)

Alexandrasabe cada vez con más claridad como se mueven las cosas en la familia y quéclase de madre tiene, todo con la ayuda de David,el hombre que trabaja en el periódico del pueblo; éste ayudará a la chica aquitarse la venda que cubría sus ojos para entender que ocurre. ¿Y qué es loque ocurre? Que su madre y sus dos hermanos se mueven por puro interés, porambición, y harán todo lo que esté en sus manos, lo que sea necesario, paraconseguir lo que quieren, aunque pierdan el amor de sus familias. La loba habla de las miserias de esaparte de la familia cuya codicia les ciega. El dinero parece poderlo todo y lomaquiavélico para conseguirlo es una constante.

Y porúltimo hablar de esos dos bandos de los que hablé antes que se enfrentan por sumanera de entender el mundo y estar en él; por un lado el de los clasistas, losque quieren el poder por el poder, los explotadores de los desheredados, losque codician de una forma totalmente egoísta, interesada, representados por elgrupo de los malvados: Regina y susdos hermanos, Oscar y Ben, el más parecido a ella en cuanto apoder de manipulación y saberse colocar como eficiente oportunista, acompañadosen sus siniestros planes por Leo, elhijo de Oscar.

Y ahora,después de hablar del grupo de los malos y sus inmorales actos, digamos quienesson los buenos, los que merecen la pena y se comportan noblemente: estaría,como no, Horace (otro Atticus Finch en cuanto a rectitudmoral a pesar de ser banquero ;-D), su hija Alexandra,la mujer de Oscar, desencantada ymaniatada por su marido, y quien en una declaración desoladora confesarállorando que no le gusta su hijo Leo,y el joven periodista David,enamorado de Alexandra ycorrespondido por la chica.

Fijándonosun poco nos daremos cuenta de que el grupo de los buenos, cuando se juntan,parecen contentos y disfrutan los unos de los otros, no así el de los malos,con sus riñas constantes y preocupados por llegar cuanto más arriba mejor, sinayudarse en ningún momento sino todo lo contrario, pisándose siempre que hagafalta y la ocasión lo permita.

Rey David/ Bruce Beresford/ Estados Unidos 1985

2011-11-21T16:12:00.000+01:00

Pocos años antes de realizar su película más conocida, Paseandoa Miss Daisy, no tan mala ni aburrida como pudiera sospecharmucha gente (preferí verla para opinar con criterio y no prejuzgar algo quecreí sería un peñazo, pero que al final no lo fue, ni mucho menos), el directorBruce Beresford hizo una películahistórica que ni tan siquiera sale en algunas de las filmografías del directorque hay en la red a pesar de ser protagonizada por una estrella del calibre de Richard Gere; y es que ésta es una desus películas menos conocidas, pero, para mi, una de las más destacablesdel actor, y digo una de ellas porque tiene una cuantas muy buenas, por lomenos para el que escribe esto.

Gere ya se habíaconvertido en una estrella y muchos directores importantes comenzaban arifárselo; el actor decidió hacer algo diferente a todo lo que había hechoantes, embarcándose en una película histórica de connotaciones bíblicas, lahistoria universalmente conocida del Rey David,de su victoria sobre el gigante Goliat,de su conflicto entre él, el elegido porYahveh para heredar el trono de los israelitas, y Saúl, un rey ya casi anciano,violento y atormentado por no contar ya con el favor de Dios representado en latierra por el profeta Samuel.

Los celos de Saúl hacia el que debíaser su hijo adoptivo provocarán una ira y odios intempestivos que llevarán alactual rey a intentar matar a Davidpara sacarse el peso de encima de su creciente carisma y para demostrarle atodos, Dios incluido, que él no era el elegido como habían querido demostrarlos profetas. David lo quiere, ycuando sabe de los planes del despótico Saúl, huye desconsolado por el cambioque se produce en el viejo rey. Davidtiene la ocasión de matarlo cuando lo persigue, pero el amor hacia él es másfuerte que el resentimiento por lo que le quiere hacer tan injustamente; sucorazón es puro y es un hombre valiente que hará todo lo que sea por su pueblo;Dios se ha fijado en él y lo ha elegido a pesar de que otros, en principio,serían candidatos más idóneos. David siemprefue un pastor y nunca estuvo acostumbrado al manejo de las armas ni al arte dela guerra; era extraño que Yahvé sehubiera fijado en un chico que parecía tener pocas de las características quese necesitaban para convertirse en el nuevo rey de Israel.

Estamos en un mundo de guerras entre pueblos y conquistas épicas. Muchoshombres temen que David no pueda llevara los suyos a la gloria de la victoria; creen (no como Saúl que lo hacía por envidia y el consiguiente odio) que laelección del profeta Samuel no hasido la acertada y no saben a quien echarle la culpa; en esto influye el hechode que Saúl lo haya repudiado ycondenado. El pueblo prefiere pensar que el fallo pudiera ser más cosa de profetasque de Dios, así se sienten más protegidos. Pero ellos no caen en la cuenta deque lo primero que mira Yahvé es elinterior, el corazón del hombre, y si el de Davides el más puro, éste podrá llevar al pueblo hebreo al mejor destino.

Es por todo esto por lo que la película es histórica y de corte bíblico(antiguo testamento). La recreación de este mundo es vigorosa, terrenal tocandocasi lo agreste (los paisajes de tierra santa son desérticos y el climaes muy duro por el calor), indómita, hay momentos en los que parecieras estaren alguna de las escenas de Edipo Rey, de Pierre Paolo Pasolini,sobre todo en lo que toca a esa sobriedad y fuerza de las imágenes y en lospaisajes acordes con ese realismo. La sencillez de sus propuestas de estilo eshomogénea y por momentos creemos estar viendo un documental de un pueblocualquiera de un país árabe y de algunas de sus costumbres.

En Rey David contemplamos también larenuncia de un padre hacia su hijo (muy amado también) por Dios; el corazón delhombre entra a veces en conflicto con la ley de Yahvé y a pesar de elegir la ley, David se atormenta al no entender que no se pueda hacer caso alcorazón y sí a una ley cruel e injusta por muy divina que sea. Él fue elegidopor su corazón puro y no sabe por qué no puede hacerle caso en ocasiones que tienenque ver con lo que más le importa, en este caso su muy amado yprimogénito hijo Absalom, condenadopor incumplir la ley de Dios, pero injustamente castigado según su padre y reyde Israel.

Película histórica con ingredientes religiosos y batallas bastante elocuentesmuy bien rodadas, al viejo estilo, muy clásicas, inconfundibles, con una puestaen escena muy efectiva y resuelta. No son demasiadas las batallas que aparecen,aunque sea cierto que dejan un regusto de que se ha disfrutado de lo que se havisto y de que el ritmo y la intensidad están muy bien conseguidos.

Freud, pasión secreta/ John Huston/ Estados Unidos 1962

2011-11-16T15:43:00.005+01:00

Ahora que prontotendremos una nueva película de DavidCronenberg en la que Sigmund Freudserá el protagonista, creo que es un buen momento para hablar de este clásicoprotagonizado por Montgomery Clift.

En esta granpelícula de John Huston hay queresolver un misterio. Cualquiera que comience a leer esto puede pensar que estova sobre algún crimen y las investigaciones que se llevarían a cabo paradescubrir al asesino; pero no es así exactamente, aunque haya semejanzas. En lapelícula de John Huston hayindagación, como sucede en las películas de género policíaco. Las formas puedenser similares en cuanto a métodos: preguntas y más preguntas para descifrar elcaso que ocupa en el que, ocasionalmente, se ofrecen respuestas que hay queinterpretar para que no nos lleven por caminos equivocados. Los errorescontinuos, como en cualquier ciencia que se tercie, llevarán a algún sitio tardeo temprano, a esa verdad pretendida; de la buena labor del investigador (unmédico checo mundialmente famoso – no vienés como se escribe en muchos sitios.Él ejerció en Viena, pero nació en un pueblo de la actual República Checallamado Freiberg, actualmente Pribor - , o un inspector de policía) dependeráel éxito de la misión emprendida. Los fines, sin embargo, serán muy diferentesya que en un caso se quiere atrapar al criminal para encerrarlo y privarlo desu inmerecida libertad y en el otro se quiere descubrir una verdad que hagalibre a la persona objeto de esa concienzuda indagación. La culpa también tieneun papel importante en los dos casos: en uno esa culpa será demostrada parahacer justicia, mientras que en el otro caso el objeto de la indagación sentiráuna culpa de la que no es responsable, y eso formará parte de su curación…

Freud, pasión secreta es un alegato a favor del conocimiento, unapelícula fascinante porque trata un tema fascinante sobre un personajefascinante y que está dirigida por un director que a lo largo de su carrerahizo grandes e inolvidables películas. En la que me ocupa, Huston se agarra a la más práctica simplicidad con matices quetienen que ver con el expresionismo en la manera de encarar los planos, muyremarcado ese aspecto en los sueños que se muestran llenos de fuerza simbólica.Su fotografía en blanco y negro la hace más creíble porque nos sumerge mejor enese mundo complicado de emociones y enfermedad. Hay en las imágenes un poderhipnótico (algo que encaja perfectamente por motivos obvios) que nos arrastraigual que el doctor Freud arrastra asus pacientes a profundizar en sus recuerdos más escondidos, reprimidos por laculpa. Esa culpa causará una vergüenza insoportable que se encerrará en lossótanos del inconsciente; pero esas emociones reprimidas deberán salir a la luzde algún modo, y será mediante síntomas neuróticos como se manifestará.

En sus primerospasos para la curación de las histerias, el doctor Freud, interpretado magistralmente por un avejentado (algo que lehace ganar peso específico al personaje al parecer más atormentado), introspectivoy comprometido Montgomery Clift,psiquiatra que en sus inicios tendrá que luchar contra la incomprensión ycrítica de la medicina academicista y tradicional austriaca representada principalmente por el doctor Meynart, hombre que mantiene un cinismoy una hipocresía soterrada en su relación con Sigmund Freud (véase su última entrevista con él poco antes demorir), paladín de las patologías mentales con base en la neuroanatomía. Elchoque entre los dos personajes será frontal y sin concesiones a pesar de loque piense Meynart de él (¿miedo anteun descubrimiento que removería los mismos cimientos culturales y sociales deuna Europa acomodada que no contemplaría cambios tan comprometedores para sumoral?). En su última entrevista le sugiere seguir adelante y no abandonar sutrabajo cuando Freud se encuentrainmerso en una crisis que lo está alejando de sus aspiraciones médicas. La vanidad de Meynart hizo que viviera la vida de otra persona y no pudierallegar nunca al conocimiento cuyo último fin sería el de cualquier científicohonesto consigo mismo.

La hipnosis serviráa Sigmund Freud de punto de partidapara la confección de su teoría científica sobre el psicoanálisis; para elloentrará en contacto con la figura del doctor Jean-Marie Charcot, mundialmente conocido por ser el precursor dela psicopatología. El francés utiliza la regresión hipnótica, a la que muchosconsideran una especie de embrujo, una herejía contraria a la ciencia imperante(entre los que se encuentran los psiquiatras austriacos que habían sidocompañeros de Freud) para diagnosticar las dolencias psíquicas de suspacientes. Según él mismo, y con sus propias palabras: “la hipnosis es pura farsa,nos ayuda a comprender, no a curar”. A partir de ahí el doctor Freud usará la hipnosis como ayuda paraentender las neurosis.

Otra figuraimportante que entra en la vida de Freudes el doctor Joseph Breuer,interpretado por el poco conocido actor LarryParks que ya había actuado casi 20 años antes con la estrella Rita Hayworth en la película La diosa de la danza. Juntoscontinuarán en la búsqueda de soluciones para la curación de sus pacientes. Breuer tiene relación desde hace tiempocon la familia de Freud y es queridoy respetado en su círculo. El padre de Sigmund,poco antes de fallecer, le pide a Breuerque cuide y aconseje a su hijo para que no se pierda. A partir de entonces eldoctor Breuer será como un mecenas deFreud y un verdadero amigo…pero en laevolución del estudio sobre las neurosis se irán separando por diferir en elorigen de la enfermedad. Breuer nopodía aceptar que únicamente la sexualidad reprimida pudiera ser la causante dela afección. El caso de Cicely Koertner(Susannah York), una joven conceguera y paralítica a causa de una crisis nerviosa que se manifiesta a partirde la muerte de su padre, será el que vaya separando definitivamente a Breuer de Sigmund Freud. Breuer tienemiedo a aceptar las teorías de su, hasta ahora, protegido. Cuando entran enjuego, y los vive en su propia carne, conceptos como sexualidad yenamoramiento, Breuer se asusta ydeja el caso en manos de Freud. Antesque su paciente, enamorada de él por motivos que se le escapan, pero que en eltrascurrir de los acontecimientos se los irá explicando el doctor Freud, está su mujer.

Jean- Paul Sartre, supervisor del guión de la película, quisoque el papel de Cicely se lo hubiesendado a Marilyn Monroe. Lo cierto es que podía haber encajado muybien en la piel de la atormentada CicelyKoertner, un personaje que se correspondería en realidad al de Bertha Pappenheim, conocida por el pseudónimo de Anna O.

En Viena se sabecon que trabaja Freud y de que hablacon sus pacientes. Su terapia, si se le puede llamar así, no está bien vista yen muchos círculos se le considera poco menos que un depravado sin demasiadosescrúpulos. Es en este punto donde debo mencionar y pararme en el personaje de Martha Bernays (Susan Kohner), la esposa de SigmundFreud. Ésta es importante al darle a su marido su apoyo incondicional en laevolución hacia el descubrimiento que persigue. Lo que vive es difícil porquesabe a que se dedica Sigmund, de loque habla con sus pacientes y de lo que pueden llegar a sentir algunas de ellaspor él; sin embargo Martha estádispuesta a continuar porque conoce a Sigmundy sabe que nada de lo malo que dicen sobre él es cierto.

El alejamientodefinitivo entre Breuer y Freud se produce cuando éste estáconvencido, y en su experiencia como terapeuta está la demostración, de quetodo parte de la infancia; el origen de las neurosis tiene que ver con lasexualidad infantil reprimida. Esto a Breuerle pone en el disparadero. Antes no aceptaba que fuera tan sólo la sexualidadreprimida la causante de las neurosis, como para aceptar ahora que en lainfancia hay sexualidad… no podía ser, inaceptable desde cualquier punto devista… y si a eso Sigmund descubreque son la madre y el padre los que tienen que ver con todo el problema, quelas represiones del niño tienen que ver con el “enamoramiento” (yo hasta lequitaría las comillas) hacia uno de sus progenitores y el odio que siente haciael otro, un sentimiento que llegaría hasta la misma destrucción del contrario(su muerte) si se pudiese llevar a cabo por ser esa persona la que le quita elamor y el contacto que el niño anhela, es entonces cuando toda la sociedad sepone en contra del psiquiatra por blasfemo e inmoral. En la conferencia parapresentar sus teorías Freud esabucheado y, aunque el doctor Breuerle da su apoyo como persona y profesional capaz, se lo quita en el apoyo a suteoría sobre la sexualidad infantil y las repercusiones de ésta sobre los trastornospsíquicos que tratan.

Me gusta como trataal personaje Huston, su evolución sindemasiadas complicaciones que embrollen su vida y sus teorías científicas. Laexplicación del psicoanálisis está muy bien resuelta y sintetizada. Huston va poco a poco introduciendo conceptossin forzar; sus pacientes, especialmente CicelyKoertner, y él mismo, serán algo así como jeroglíficos a los que se tratede arrancar esos misterios que parecen indescifrables y que se guardan en algúnlugar oscuro y apartado de la mente. Esto no es un estudio pormenorizado sobreel psicoanálisis, ni un documental que aporte documentación suficiente parasaber más; esto es una película con la que cualquier persona se puedeentretener y recrear, en la medida de lo posible, lo que pudieron ser losprimeros años en el descubrimiento de las teorías por las que Sigmund Freud fuemundialmente conocido. Términos como inconsciente, hipnosis, enamoramiento,reflejo, sueño entendido como manifestación de emociones reprimidas plasmadasmediante símbolos, lapsus, inversión, etc se van poniendo sobre el tapete eneste singular e intenso biopic sobre el padre del psicoanálisis sinprecipitación, muy bien estructurados, en el contexto al que pertenecen y con todoel sentido que deben tener.

Aquellas juergas universitarias/ Todd Phillips/ Estados Unidos 2003

2011-11-13T16:43:00.004+01:00

A pesar de sutono gamberro que tiene como referentes algunas de las cintas que se realizaronen los años 80, como Porky´s, Despedida de soltero o aquella otracanadiense muy poco conocida titulada Labanda de los tocapelotas, aunque con más nivel según creo (y eso no significa que esta tenga demasiado nivel, pero divierte hasta un punto), esta película esla cara opuesta a una reflexión sobre la responsabilidad que se adquiere en lavida según se crece, cosa que con laedad suele ser lo normal, pero que en este caso la transgresión que se hace esuna evasión de dichas responsabilidades para volver a lo que fueron aquellosaños de juventud (aquellas juergas universitarias) tan locos y alegres en dondela fiesta, la diversión, los amigos, las borracheras, el sexo, - en fin: todolo que tiene que ver con la vida en el sentido más hedonista- eran parte de todos y cada uno de los quetuvieron la oportunidad de vivir en otra ciudad y experimentar aquello mientrasestudiaban alguna carrera universitaria.

Estasimpática película es una regresión, un no querer crecer; hay un síndrome dePeter Pan en los personajes que la protagonizan porque tienen miedo a envejecer; su “retorno” a launiversidad es una añoranza de tiempos mejores (cualquier tiempo pasado fuemejor) que, aunque se empecinen, no van a ser iguales (porque ni la época es lamisma ni ellos tienen la misma edad), aunque se haga un curioso ejercicio derecreación que además de ilusionarlos, y con el que se divierten mucho, losvuelve a hacer sentirse jóvenes y con todo el futuro por delante (como lo puedehacer un hombre de cierta edad cuando se echa de novia, o tiene una aventura con una mujer mucho más joven que él – entonces él también se siente mucho másjoven, y mucho mejor), aunque para los tres protagonistas esto ya no es posible(hablo de lo que he comentado referente al futuro y las expectativas creadasalrededor de él) porque su camino ya fueelegido casi una década antes de su regreso aparentemente triunfal y añorado.

Y ese tono nostálgico queda en cada uno de losque ya pasamos de los 30 (yo por muy poco ;-P), pero con un mensaje positivo y esperanzador que libera de muchas ypesadas cargas: nunca es tarde si la dicha es buena; pero con otro mensaje máscerebral y serio “estropeándolo todo”: si te comprometes, hazlo hasta el fondoy acepta las responsabilidades que has contraído.

La ola/ Dennis Gansel/ Alemania 2008

2011-11-01T13:31:00.005+01:00

Un juego experimental de un profesor que “recrea” laevolución de los sistemas políticos totalitarios (aquí a modo demicroondas, o sea: muy rápido y con no demasiada elaboración; todo generalizadoy cogiendo las ideas más simples de lo que es un fascismo, o sea: las bases delo que sería un totalitarismo).

Es original la forma de plantearlo y sencilla y práctica su resolución, sincaer en pedanterías ni ideas demasiado trascendentes que nos hagan confundir.Todo está muy claro a pesar de la importancia del tema, y esto se agradece.

Y todo para hacernos ver algo que ya se sabía: que elfascismo es intransigencia, falta de libertad, sistematización que mata alindividuo y cuya única fortaleza es el grupo. Cuando una comunidad trabajaunida por unos ideales buenos puede resultar bien; pero si el que dirige lacomunidad está equivocado y tiene un poder ilimitado… aquí es donde puedensurgir los verdaderos dramas de un grupo, o de un pueblo.

También nos damos cuenta que esto se podría volver a repetir si hay alguna dudade lo que pasó realmente y si no se ponen los medios adecuados para que la“mala semilla” no se pueda volver a reproducir. Tenemos que conocer la historiay aprender de nuestros propios errores como género humano (los últimos endesfasarse fueron los alemanes, sus dirigente especialmente, pero tal vez para la próxima el testigo de labarbarie más irracional sean otros; y hablo de algo tan grave como lo quese produjo en la segunda guerra mundial, porque salvajadas de diversa índole sesiguen produciendo)

The game/ David Fincher/ Estados Unidos 1997

2011-10-23T13:58:00.007+02:00

Esta no es la mejor película de DavidFincher; está por debajo de otros de sus films como la tenebrosa Seven o la irreverente y transgresora El club de la lucha. Técnicamente espuro virtuosismo cinematográfico, con una fotografía impecable (su fotografíame recordó El caballero oscuro de Christopher Nolan), un manejo de lacámara certero, equilibrado, funcional hasta el extremo y una puesta en escenamoderna y con un dinamismo que se adecua perfectamente a lo que cuenta, con uninicio prometedor, en el que el personaje interpretado por Michael Douglas parece no ser feliz a pesar de ser  multimillonario; el protagonista se haconvertido en un hombre solitario que no vive la vida como debiera y sí sededica a ganar cada vez más dinero sin ningún remordimiento de conciencia en suforma de hacerlo; si por su forma de actuar destroza una familia, o la limita avivir de unas rentas que él mismo les proporciona ya está satisfecho de la“obligación” contraída, pero no aceptada por la gente a la que se le hace la oferta; es un tiburón con pocos escrúpulos y una vida tristeque lo encierra en sí mismo, un hombre sin ilusión que arrastra traumas quetienen que ver con lo que le ocurrió a su padre cuando era niño. 

Pero de un inicio interesantepasamos, poco a poco, a la repetición de la repetición de la repetición de losmismos efectos; la película se vuelve fría y ya sabida. Es un perpetuarse en lomismo que en un principio nos asombró, pero que a partir de la media hora nosva robando  el interés, no así el gas (nopierde gas, eso es otra cosa) ya que su ritmo ( como no podía ser menoshablando de Fincher: hay claros ejemplos de que esta parte la maneja a las milmaravillas- pensemos sino en Alien 3,o en El club de la lucha para darnoscuenta del buen tratamiento del ritmo en sus films-).

The Game podía haber sido unaverdadera obra de arte si David Fincherla hubiera tratado de otra forma, si la hubiera hecho más oscura, aunqueperdiera algo de su entretenimiento (que, me temo, ese fue el único y másimportante motivo por el que la hizo). Sí hay cierta sustancia kafkiana, pero Fincher no ahonda lo suficiente en esteaspecto, lo difumina y se centra prácticamente sólo en la acción, por lo que alfinal de su visionado resulta algo plana e intranscendente, aunque no aburrida.El juego que se traen con Michael Douglas,que no se llega a saber qué es exactamente (sólo al final, y esto,naturalmente, si se ve por primera vez), aunque sí lo intuyes, podía ahondar enla personalidad y los traumas del protagonista, haciendo del conjunto unaverdadera pesadilla, donde los giros argumentales(que sí los hay, pero paravolver a lo mismo) condujeran a una nueva situación, más angustiosa yterrorífica; lo kafkiano se convertiría en motor de una historia en la que elpersonaje principal (y nosotros también) no sabría que está sucediendo y cuáles el motivo por el que le ocurre aquello que lo está atormentando; seríaangustia vital pura y dura; pero no, Fincherquiso seguir el camino fácil, un camino que remata en un final que aunque paramuchos es bueno, incluso genial, es un final a lo cuento de hadas, un cuentopretendidamente oscuro que no resulta tan oscuro como pudiera parecer, ovenderse(que aquí tiene mucho que ver el marketing y la publicidad de lapelícula), un final feliz que te sorprende, y que está más o menos bien portodo lo que se ha visto, pero que de haber arriesgado más podría haber sidootro distinto y brutal, o sea: que todo lo que había pasado fuera verdad, no unjuego (el desconocer quién y por qué se metía en tu vida de forma tanintimidatoria, como si estuvieses viviendo una auténtica pesadilla sin aparentesolución, sin concretar o mostrarnos la empresa que se dedicaba a tales“distracciones” hubiera sido acertado a mi modo de ver), aunque en principio lopudiera parecer: el hijo (Douglas)una imagen de su padre reflejada en el mismo espejo de la desgracia, que serepetiría sin ningún tipo de esperanza; entonces sí que estaríamos hablando deotra cosa, con un proceso catártico del protagonista descrito de una formamucho más densa y pensada…pero eso hubiera sido otra película seguramente, laque me hubiera gustado ver a mí y que tal vez en ningún momento se le pasó porla cabeza a David Fincher porque lo queél quería era entretener, algo que consigue, pero sin deslumbrar.

Reconozcamos que a pesar de todo esto la película entretiene, lo justo, yaunque es tramposa (una trampa hecha con gran disimulo, pero hecha al fin y alcabo), se vuelve demasiado obvia y sin alma, como ya dije antes, y estoenfurece a cualquiera que esperara mucho más de un director con talento  que parecía tener las herramientas adecuadas,que no precisas,  para hacer algobastante más grande. 

Conflictos de pareja

2011-10-20T18:38:00.013+02:00

Cathleen Turner y Michael Douglas

Las desavenencias en una pareja pueden cuajarse a lo largo de períodosde tiempo más o menos prolongados en los que el conocimiento del otro (elcontrario, cuando se está inmerso en pleno proceso beligerante) hace que salgana flote ciertos defectos que antes no parecían estar ahí.

Al surgir el amor siempre se tiende a idealizar al compañerosi no se conocía de antes, por lo que ese conocimiento es necesario para sabersi en esa idealización hay cualidadesreales que hagan de la pareja alguien que merezca la pena; si no fuese así lonormal sería que comenzasen los problemas.

La convivenciadesgasta normalmente si no hay libertad, un espacio propio en el quedesenvolverse como individuo. La violencia, el sometimiento, la coacción son unveneno para la relación. No sólo llega con quererse, hay que respetarse paraque la pareja se perpetúe en el tiempo y se ahuyenten los conflictos.

Es en la convivencia y en el conocimiento recíproco cuando llegan las fricciones si no se vieranlas cosas de una manera similar y, consecuentemente, los tristes desengaños; ymás cuando uno creía estar enamorado de su pareja.

Este trabajo parte de los conflictos de la pareja que nacendel desengaño, una reacción muyinteresante de analizar que siempre suele ir acompañada de frustración,amargura, tristeza.

RevolutinaryRoad, de Sam Mendes

Pero no sólo la convivencia y el conocimiento mutuo provocanconflictos. Hay otros factores externos ajenos a esa relación íntima quepodrían causar problemas, no sólo existen las diferencias irreconciliables que tantos divorcios provocan, lasilusiones rotas, las maneras de vivir la existencia o el que la parejasencillamente no se soporte, como ocurrirá en la película de Danny de Vito, La guerra de los Rose, aunque en ésta ese sentimiento sea tan sólode uno en relación al otro y ese otro reaccione pareciendo en un momentoconcreto que el sentimiento es recíproco, no ocurriendo exactamente eso ya que Michael Douglas no dejará de querer a Cathleen Turner por muchas putadas quele haga. Algunas circunstancias como la familia (hijos, padres, hermanos), eltrabajo, los amigos, las relaciones sociales o incluso, y yendo más lejos, otrapersona que pueda llegar a atraernos lo suficiente y que provoque celos puedenacarrear problemas o rupturas si la relación se desestabilizara lo suficiente.

El desgasteprovoca también conflictos. El deterioro se produce en ocasiones por simple yduro desgaste. La vida suele deteriorar casi todo lo que pasa por ella, loscambios son irremediables y esos cambios suelen producir llagas. ¿Y qué puedeproducir el desgaste? Yo diría la monotonía,esa rutina que nos apalanca y nos hace parecer vegetales poco menos, elaburrimiento, la falta de ilusión, los planes en común que se terminanestropeando, las pequeñas decepciones del día a día por ese conocimiento delotro del que hablé…

Marthay George en ¿Quién teme a Virginia Woolf?

Pero también hay conflictos sin la necesidad de que hayadesgaste por choques puntuales que son como tempestades y que no tienen por quéir a más ni tener tanta importancia, sólo producir fuertes enfrentamientospasajeros que consolidan la relación por ser algo así como demostraciones en lasque el otro te importa tanto que las emociones poco menos que explotan en unademostración de amor muy distinta a la habitual que tiene que ver con laternura.

En La guerra de losRose el conflicto parece llegar de repente, sin apenas niveles deintensidad, o gradualmente. Oliver Rose(Michale Douglas) notará ciertossíntomas extraños en la conducta de su esposa Barbara, pero cree que forman parte de su personalidad especial ymotivados por enfados pasajeros; hasta que se produce su inesperada declaracióncuando su marido sufre un dolor agudo en el tórax que creen podría ser motivadopor un infarto y Barbara no lo va aver al hospital, aunque sepa lo ocurrido.

Cuando se conocen se atraen; se puede decir sin temor aequivocarse mucho que tienen un flechazo. No tardarán en acostarse y en hacerplanes de futuro. Enseguida llegarán dos hijos y vivirán un período feliz, casicomo en un cuento de hadas.

Peroese cuento de hadas un buen día se torna en pesadilla.

AnnetteBening y Kevin Spacey en American Beauty

A Barbara empiezan a molestarle detallesque antes le pasaban desapercibidos (aunque es posible que estuvieran ahílatentes esperando para asomarse con mala cara), como la forma en la que sumarido corta la carne cuando se dispone a comer.

Lasrelaciones sociales que mantienen con gente del trabajo de Oliver y el modo que tiene éste de relacionarse con ellos exasperana Barbara. No aguanta su perfección yque quiera demostrar siempre lo mucho que sabe de todo.

A algocomo esto que tiene que ver con la personalidad de Oliver se unen otros problemas motivados por el estilo de vida deella, una mujer a la que le gusta la buena vida y que consume a su antojo. Susnegocios para continuar con su tren de vida no son vistos con buenos ojos porsu marido, pero ella insistirá en llevarlos adelante ya que buscaindependencia, una situación con la que se sentirá más libre. Tal vez sea porver a su marido como alguien represor, aunque disimulado por la falta deviolencia, el principal motivo por el que se produce el cambio en la mujer.

Barbaray Oliver Rose en La guerra de los Rose

Y es apartir de aquí, sobre todo, cuando la película se convierte en una mordazsátira sobre el matrimonio, la convivencia y los problemas que surgen sicualquiera de la pareja empieza a no soportar al contrario, todo con un sentidomuy negro del humor.

Escuando comienza el proceso de divorcio cuando la guerra hace acto de aparición.Los juegos sucios iniciados por Barbaraprovocarán en Oliver una reacción deresistencia pertinaz. Oliver le hacefrente. Una ley de la que le informa el abogado que lleva el divorcio (Danny de Vito) hace posible que en laseparación Oliver pueda volver a lacasa en la que vive su mujer.

Como enlos mapas de las guerras, hay en los planos de la casa zonas de colores quecorresponden a los dos bandos beligerantes; también hay coloreadas zonasneutras en las que hacen vida con sus hijos.

¿Quiénteme a Virginia Woolf?

Decualquier modo Oliver seguiráqueriendo y desando a Barbara, aunquea ella le ocurra todo lo contrario y sin una explicación clara del motivo porel que ha dejado de sentir lo que parecía sentir antes. Y es que el amor nuncaes cosa de uno sólo, desgraciada o afortunadamente.

En Revolutionary Road,la película dirigida por Sam Mendes,con guión de Justin Haythe y basadaen la novela Vía revolucionaria, de Richard Yates, April Wheeler es una aspirante a actriz que no consigue llegar ahacer carrera por carecer de las cualidades necesarias para abrirse camino enese mundo. La mujer se inspirará en los sueños de su marido Frank cuando era más joven parailusionarse y anhelar un cambio de vida. La pareja se ama, pero el cambio a unnuevo hogar en la calle Revolutionary hará que coincida con el deterioro de surelación en la que prevalecerán egoísmos personales y miserias. Cuando la llamade la pasión parecía estarse apagando por la rutina, la decisión de trasladarsea París vuelve a reavivar la llama; París es su destino y como una obsesiónpara la mujer. Allí pretende que la vida en compañía de su marido sea bohemia ylibre. Frank podría encontrar suverdadera vocación, y si no lo hiciese podría vivir sin ningún tipo deresponsabilidades relacionadas con el trabajo porque ella sería la que lo haríapara mantenerlo; pero los planes irán cambiando irremediablemente al quedarseembarazada y al ofrecérsele a Richardla posibilidad de ascender en su trabajo.

Finalmentela individualidad primará y será más fuerte que el amor, por lo que no merecerála pena continuar con la relación.

Eldesánimo es una constante en el insatisfecho e inconformista personaje femeninointerpretado por Winslet, mujer víctimade la confusión a causa de una vida que no le corresponde, monótona y sincomunicación. Hay en ella un deseo imperioso por alcanzar la felicidad eindependencia; ese hecho hará que sufra y se angustie. La relación,lógicamente, se deteriorará con su marido, mucho más conformista. El papel deéste será un cliché que servirá para desarrollar el de su mujer, mucho másinteresante desde la profundidad de su psicología, alguien que se cree víctimade la rutina y la falta de ilusiones. DiCaprio será el contrapunto para hacer ver a su esposa donde le puedenllevar realmente sus sueños.

AmericanBeauty, de Sam Mendes

Lafamilia Burnham se compone por tresmiembros: Lester (Kevin Spacey), su mujer Carolyn (Annette Bening) y su desencantada hija Jane (Thora Birch). American Beauty trata temas como laimportancia que se le da, sobre todo en las sociedades occidentales, a lasapariencias y al dinero, y como esomenoscaba las relaciones interpersonales, cambiando su naturaleza hasta sudeformación y haciendo una constante por parte de alguna de las víctimas, eincluso una prioridad existencial, la necesidad de escapar de las situacionesgeneradas por culpa de una sociedad en la que el éxito y lo material, y no asílo espiritual, lo es todo.

Laesposa de Lester, Carolyn, es una ambiciosa vendedorainmobiliaria a la que sólo parece interesarle el éxito profesional. Ella mismapone de manifiesto que su compañía vende una imagen y es parte de su trabajovivir esa imagen. Eso hará que explote un conflicto con su esposo cuando ellaempieza a notar que Lester es unfracasado, que su vida empieza a cambiar y ya no le da importancia a lo que sítiene para Carolyn, el prestigiosocial, la imagen, el éxito profesional. Las relaciones que mantendrá Carolyn con su esposo serán frías al verla vida de un modo muy distinto, y con su hija serán poco cariñosas y cálidas,impersonales por ese querer aparentar siempre de una madre obsesionada con eléxito. Muchas veces Carolyn tratará asu hija de adefesio, algo que no debería corresponderse con lo que es una madresi lo dicho es en serio.

Si nosfijamos en las dos películas de SanMendes comentadas en esta entrada, Revolutionaryroad y American beauty, lospapeles de Carolyn y de Frank le darán más importancia a laposición social y a una estabilidad material, sólo que en Carolyn de una manera descarada e inmadura, y en donde el otro tipode estabilidad, la humana, no sabrá como expresarla, y en el papel de Lester y de April habrá menos compromiso social y más libertad individual que tendráque ver con una vida encorsetada de la que se quieren desembarazar.

Frank(Leonardo DiCaprio) y April (Kate Winslet)

Nada más comenzar se tiene la sensación de que la mujer, Martha, es insoportable, de tratocomplicado, y te preguntas si a lo largo del film se explicará el porqué de suagresivo comportamiento hacia George,su marido. Al principio su marido se mantendrá a la defensiva. Es curioso comoella, cuando adopta esa actitud, prefiere verlo enfadado. Le dice que no sabepelear por las cosas, que no tiene agallas (según un eufemismo dicho por él mismoy que hace que los dos se rían), en una clara insinuación hacia su trabajo y laambición que debería tener para triunfar. Y es en ese punto donde nos enteramosdel conflicto que hay entre los dos a causa de la profesión de George. Martha le tenía planificada su carrera profesional como buena hijadel rector universitario que era, pero él no dio la talla y eso hizoconvertirlo en un fracasado. No sólo será un perdedor por no ascender en sudepartamento de la facultad de historia, lo será por sus proyectos literariosque no tendrán salida por resultar poco entendibles y de difícil apoyo porparte de su suegro.

¿Quién teme aVirginia Woolf? es un continuo tira y afloja, un mal rollo extenuante conramalazos de ternura, un herir de alguna manera a cualquier costa. En lainvitación de Martha a una pareja dejóvenes, Honey y Nick, para pasar la velada en su casa se representará una especiede psicodrama en el que el alcohol servirá de fluido social, como decía uno delos personajes de la película de los hermanos Coen, Barton Fink, deinhibidor de conductas para no dejar de hablar y decirse todo lo que hay quedecir, sin cortarse, humillando siempre que se pueda. “Una noche de borracherallegaremos mucho más lejos”, le dirá Marthaa su marido en plena pelea dialéctica. En la reunión las humillaciones seránconstantes, sobre todo mutuamente entre Marthay George, o a las que somete George a la joven pareja en un juegocruel que parece tener algún propósito, como el que tenían las humillaciones enforma de juego en las que LawrenceOlivier sometía a Michael Caineen el excelente film La huella, de Joseph Leo Mankiewicz. Habrá secretos yse descubrirán verdades dolorosas que tendrán que ver con la joven parejainvitada, e intereses agazapados y listos para salir cuando llegue laoportunidad, eso se verá en el joven profesor de biología.

Pero habrá algo más de lo que Martha no deberá hablar a los invitados, de lo que ellos llaman elproblema, de su hijo, eso que tanto les preocupa y que martillea sus vidas comouna terrible y angustiosa obsesión.

El resultado de la reunión parece un juego de humillaciones quese hacen con algún fin, el de hacer de terapia para sus males, para sutormento. Llegará un momento en el que el profesor de biología no sabrá siestán mintiendo o no, si es una representación lo que contempla o algo real.

En la relación tormentosa entre Martha y George seinsinúa algo que tiene que ver con la culpa; pero la ambigüedad hará que no losepamos con certeza. El no es el culpable de la muerte de su hijo; sin embargoen un momento concreto creeremos que su esposa así se lo hace sentir.

En el juego escenificado se podría creer, o interpretar, queél mata al hijo si tuviésemos en cuenta que es pura ficción y no hay nada dereal en lo contado, sin embargo quedará esa duda por un momento, sobre todocuando George le cuenta a su invitadola siniestra y dura historia del muchacho que mató a su madre y a su padre (laverdad podría estar cambiada en lo referente al accidente en el que el hijopierde el control del coche y mata al padre; tal vez fuese al revés y George lo disfrace para no resultardemasiado evidente y dramático, y para continuar con ese estilo derepresentación, de juego), como queda aquella otra duda en la que se preguntauno si Martha y su marido puedentener hijos y que es inducida por la insinuación que le hace Nick al atormentado matrimonio.

MerleOberon y Melvyn Douglas en Lo que piensan las mujeres

Spoiler (no leer el spoiler en color azul para no descubrirpartes de la película)

Finalmentese descubrirá que el hijo no existe. Él es una escusa que servirá de apoyo paraesa catarsis, una realidad inventada y que necesitarán para soportarse, unailusión que será como un oasis en una vida infeliz y de sufrimiento. / Fin Spoiler (Ya sepuede seguir leyendo sin problema)

Pero la vía de escape cumplirá su función y al finalsospecharemos que Martha y George se quieren, aunque quedaránabiertas demasiadas puertas a pesar de que se perciba un rayo de esperanza.¿Continuará todo como hasta ahora o será un volver a empezar?

Jill Baker, interpretada por la atractiva y exótica Merle Oberon, y Larry, interpretado por un elegante y distinguido Melvyn Douglas, son un matrimonio conuna buena posición social. La rutina y el acomodo profesional de Larry, vicepresidente de una importantecompañía de seguros y enfrascado en su trabajo obsesivamente, harán que lapareja deje de relacionarse como lo hacían en el inicio de su relación.

Jill padece insomnio y sufre ataques de hipocuando está nerviosa. En el psicoanalista descubrirá, de una manera bastantechistosa, que sus síntomas son originados por la monotonía de su vida conyugal.

Erns Lubitsch trata el conflicto que acontece en Lo que piensan las mujeres en un tono de comedia elegante, lleno de sugerencias, de un dominiomagistral del espacio y el tempo narrativo y de sutileza. Sin embargo eseconflicto es desarrollado de una forma simple, débil, en el desarrollo de esetriángulo formado por Jill, su maridoLarry y el pianista interpretado conenorme entusiasmo y fuerza de convicción por el excelente y simpatiquísimo Burgess Meredith. Hay poca incisión enla desintegración matrimonial mostrada, un hecho que merecería más hendiduraantes de ese inevitable happy end final.

Decualquier modo la poca profundidad que se le da al tema no deja de estropearuna gran comedia ligera que no espera otra cosa más que divertir sin agobios;una lección de buen cine, otra más, del maestro Lubitsch.

El hombre que mató a Liberty Valance/ John Ford/ Estados Unidos 1962

2011-10-17T18:57:00.006+02:00

Esta obra de artecontada en un poético flashback lleno de nostalgia y vigor narrativo es lamuestra indiscutible de lo que representa el cine de John Ford. Está hecha en blanco y negro y cuenta el cambio que seproduce en un pueblo, Shinbone, del árido estado de Arizona, y en todasaquellas regiones alejadas del centro del poder político del Este dondecomenzaba a llegar el ferrocarril cargado de ley y civilización. Tal procesocoincide con la llegada a la región del abogado Ransom Sttodard, que interpreta JamesStewart, y con el atraco a su diligencia por parte de un forajido sinescrúpulos, desaprensivo y salvaje, llamado LibertyValance. En el encuentro hay una humillación del delincuente a Sttodard a quien golpea sin miramientoscon su látigo de empuñadura plateada, un instrumento de miedo e intimidaciónque quedará impreso en la mente del abogado como lo está en las mentescolectivas de todo el vecindario por el que merodea Valance y sus crueles amigos.

Valance es lo viejo, el salvaje Oeste, un territorio donde no llega laley, y si lo hace es tímidamente y sin ningún poder (véase quien representa alsheriff en esta película y qué se dedica a hacer: esconderse de Valance siempre que hace acto deaparición en el pueblo; personaje plasmado por Ford con humor y ternura, aunque en el tramo final se descubra,sorprendentemente, cierta valentía al advertir a Valance que no se enfrente aSttodard ya que en caso de matarlo sele acusará de asesinato).

El forajidoatemoriza a toda una región y su fama le precede. Sus apariciones en Shinboneson recordadas por su descontrolada violencia y por el grupo de secuaces que lopertrechan, tan malvados y desaprensivos como él mismo. Valance representa el poder de la intimidación. El uso de la fuerzaparece agradarle y siempre se sale con la suya utilizando los mismos métodosviolentos. Cuanto más le temen más se agranda en su vileza, en sushumillaciones. Liberty es como elmafioso moderno del siglo XX, pero sin sus mismos instrumentos de camuflaje quele ofrece una sociedad avanzada y una gran ciudad; de hecho él representa comonadie al mafioso-forajido del salvaje Oeste… Jonh Dillinger representaría la transición entre un mafioso, elprimitivo (Liberty Valance) y elnuevo (los que observamos en El padrinoo los personajes que aparecen en la famosa serie de televisión Los soprano).

Una vez que llegaherido al pueblo, el abogado es acogido por un matrimonio dueño de un bar decomidas y por la mujer que trabaja allí, Hallie(Vera Miles).Él trabajará también en el bar ayudando a lavar platos. Hallie sentirá simpatía por Sttodarda pesar de ser cortejada por Tom Doniphon,un hombre fuerte y nada temeroso al que ni el mismo LibertyValance lo haría retroceder.

Doniphon tiene pequeñas diferencias con Sttodard porque cree que su idea de la justicia allí no tienecabida y que la mejor y más práctica justicia es la del revolver. De cualquiermanera entre los dos hombres, interpretados por John Wayne y James Stewart, hay simpatía y admiración porque, aunquecon formas distintas de contemplar la justicia y su ejecución, los doscoinciden en señalar quien es el malo y que es lo justo. Doniphon tiene la cultura de Valance,pero es la otra cara de la moneda. Él es el bueno y con principios nobles y Valance el malo. Sólo tienen en comúnuna cosa: una cultura de la violencia similar, la del hombre que sabe como usarsu revólver, en Valance nuncajustificada y arrogante, en Doniphon justificada,cuando se ejerce, y siempre en legítima defensa o por una causa justa (en lapeli se ve claro que esa causa justa es la del abogado Sttodard).

Pero habrá otroconflicto entre Doniphon y Sttodard a causa de Hallie. Ésta empieza a sentir algo por el abogado no sólo por susentido de la justicia, por su valentía, aunque distinta a la de Doniphon, o por su dedicación a lascausas que tienen que ver con la civilización y la cultura, como ejercer demaestro con los niños, y algunos mayores (entre ellos alguna mujer, como ladueña del bar y su empleada Hallie queno saben ni leer ni escribir).

Quedará un regustoamargo por el desengaño sentimental que sufre Doniphon y por el olvido entre las gentes del lugar cuando en otrostiempos era el más conocido y respetado, un periodo transcurrido de cambio enel que hombres como Sttodard seránlos protagonistas del presente y el futuro.

Doniphon siempre permanecerá en el recuerdo del abogado y su mujer, unpobre balance por lo que significó y lo que hizo, aunque nadie, o casi nadie, lo llegara a saber nunca. Doniphon es el verdadero mito en la sombra.

Spoiler (No leer el spoiler en colorazul para no descubrir partes de la película)

Y paraterminar dejo una pregunta en el aire: ¿Habría terminado Hallie con Sttodard dehaber conocido en su momento quién había matado a Liberty Valance?

Amanecer rojo/ John Milius/ Estados Unidos 1984

2011-10-12T21:32:00.000+02:00

Sabía de qué iba ysin embargo me atreví con ella. Me dije: “tal vez tenga algo divertido con loque quedarme y pueda merecer la pena de alguna manera”; pero nanainas. Fue unapérdida de tiempo, y en este caso no diré de dinero porque ni fue una películaque viera en el cine ni la compré en dvd o blue ray, me la bajé directamente demi maltrecho y envejecido emule, y digo envejecido no porque tenga muchos añossino por el duro trabajo al que está sometido, sin descanso y en continuaproducción para su insaciable dueño. Eso sí, mi cara de asombro duró toda lapelícula.

Esto sólo se podríaentender y tener su sentido si lo viésemos en la serie b, pero no en este cinecomercial; lo irónico es que en Amanecerrojo las situaciones resultan más fantásticas que en cualquier película degénero fantástico, aunque ésta fuese una producción de bajo presupuesto.

¿Y qué es lo que nosofrece el producto? Pues la tragedia de la guerra, con su crueldad, ysentimentalismo, en este caso bastante barato y patrióticamente patético, comoocurría en tal sentido con la protagonizada por el simpático Will Smith en Independence day.

Tiene el espíritu deseries de televisión tipo V en esode la lucha por la libertad y la resistencia ante un enemigo fuerte que pareceimponerse, o de películas como Estánvivos (sólo que ésta, y a pesar de sus recortes presupuestarios, mucho másconseguida); lo que busca preferentemente es asombrar, e incluso impactar(véase la escena inicial de los paracaidistas en el colegio... demasiadoefectista), como lo hacía el cine de Spielberg, con las evidentes diferenciasen cuanto a equilibrio narrativo y buen hacer en general, aunque en el presentecaso en vez de hacerlo con la mirada que pudiera tener un niño anteacontecimientos que resultarían impresionables para cualquiera, se hace con lamirada de un adolescente recién entrado en ese tramo vital en el que latontería es una constante. El denominar a ese periodo de tiempo la edad delpavo tiene su justificación ;-P

El grupito de chicosque se echa al monte cual Curro Jiménez acompañado de sus correligionarios antela presencia de los franchutes es una coña en sí misma, como la película engeneral. Y es que el asunto no resulta nada creíble, es más: es ridículo portan descarada y absurda propuesta en la que los rusos (de aquellas todavíasoviéticos), ayudados por cubanos, comunistas también ellos, y muy malvados,intentan invadir los Estados Unidos of América... pero, ¿Qué hay del país quese suponía más poderoso militarmente de la tierra? ¿No defienden? ¿Y suestructura militar? ¿No había espías que informasen del plan enemigo? ¿Dóndeestaban? El desarrollo del guión es descabellado y la explicación que da elpiloto de aviación militar que ayuda al grupo de jóvenes guerrilleros paraintentar arreglar tal desaguisado de guión es una solemne estupidez, al igualque las respuestas que da ante todas las preguntas que surgen.

Poco más hay quecontar porque tampoco merece la pena, sólo decir que en el epílogo se deja caeralgún que otro mensaje antibelicista curiosamente formulado, y con ciertolirismo, por uno de los jefes militares comunistas cubanos que hace un adiós alas armas verdaderamente enternecedor :-P.

Como única curiosidadque os traigo decir que en el reparto estáPatrick Sawyce, C. Thomas Howell yJennifer Grey … Los dos primeros ya habían trabajado juntos en la película Rebeldes, de Francis Ford Coppola; Sawycelo haría junto a Gray años después en el despiporre pseudoeróticodancante Dirty dancing.

Antes de irme quieroresaltar que se me hace difícil entender que un director como John Milius haya hecho algo tanentretenido, recomendable y lleno de aventura como Conan, el bárbaro y algo como Amanecerrojo que es tan diametralmente opuesto en cuanto a propuesta y resultados.

Secretos y mentiras/ Mike Leigh/ Gran Bretaña 1996

2011-10-07T03:31:00.002+02:00

Gran drama del director británico Mike Leigh. El secreto de Vera Drakees su otra gran película. Un maestro en retratar emociones y el reflejo de loque es la vida en circunstancias difíciles. Hay un trasfondo social quesostiene el drama, gente que sobrevive a una sociedad competitiva y fría y asus propias inseguridades…

…Y todo va yendo más o menos, con personajes un tantopeculiares en su forma de ver la vida (vaya madre, Dios santo! Qué inocenciatan grande, pero a la vez tan entrañable!), con situaciones que se podrían darperfectamente en la vida cotidiana contadas con un realismo ideal (si sirve talcontradicción): la vida que en ocasiones resulta tan aburrida y triste, sinmotivaciones realmente importantes por las que moverse ni reaccionar (aunque yaal poco de empezar el film la chica de color encontrara una motivación lo suficientementeimportante como para actuar ilusionada: la búsqueda de una madre biológica parano estar sola en un mundo tan cruel, para saber de donde viene y si su origenpuede ser un salvavidas para su soledad, su desesperanza), y todo se va uniendoy montando a modo de puzzle matemático en su configuración y en sus emociones,hasta una apoteosis final en la que se dice todo lo que no se atrevió a decirnadie a lo largo de una vida desencantada, hasta que llega la liberación total.

El resplandor/ Stanley Kubrick/ Estados Unidos 1980

2011-09-27T01:17:00.002+02:00

Es bastante conocido el hecho de que Stanley Kubrick se embarcó en el proyecto de hacer El resplandor (1980) por el tropiezo en taquilla que supuso su película de época realizada cinco años antes Barry Lyndon. Parece ser que el director necesitaba un éxito comercial a cualquier precio, y para ello contó con la adaptación de la novela de un aún joven escritor llamado Stephen King. Kubrick no había leído nada del escritor, pero sí había visto otra película que había adaptado una de sus novelas, Carrie; creía que el tipo de historias que contaba Stephen King podían encajar perfectamente en la idea que tenía de lo que podía ser una película de terror que funcionase, sobre todo en el aspecto comercial. Los cambios que tuviera que hacer Kubrick en la realización para que el film mereciese la pena los haría; la novela sería una base sobre la que sustentar ese edificio planeado en el que el clímax sería en sí mismo un espectáculo, un espectáculo terrorífico.

Siguiendo con Stephen King decir que en la novela y en la misma película hay referencias a la vida del novelista como cuando Jack dice: “Podría volver como un auténtico escritor y conquistar Boulder!”, pues Boulder es la localidad donde se le ocurrió a King escribir la novela; también hay datos autobiográficos como el hecho de que Jack padezca insomnio y aproveche para escribir de noche. Es también destacable el hecho de que Jack sea alcohólico en otro paralelismo con Stephen King en una época en la que bebía.

Hay quien dice que esta es de las películas más comerciales de su director. Si tenemos en cuenta la recaudación que hizo en los cines de todo el mundo así es, además de considerar el género de terror como uno de los más populares a la hora de llevar gente a las salas de proyección, pero hasta ahí. El resplandor no es vulgar, ni insustancial o mediocre, ni una película descafeinada o con clichés del género (bueno, puede que alguno, pero muy bien adaptado a las situaciones desesperantes que se viven con el estómago encogido); tampoco está facturada de tal forma que parezca sacada de una cadena de producción en serie, algo que normalmente va unido a repetición, a poca emoción o, de haberla, de muy baja intensidad; El resplandor es casi casi una obra maestra, siendo el término incompatible con el de comercial como yo lo quiero entender porque no sólo en lo comercial va unida una buena taquilla sino un tipo de película que no aporta demasiado a lo que tiene que ver con el arte ni los valores que pueda aportar en ese campo.

El rodaje fue de pesadilla debido al tortuoso carácter del director, tanto es así que mandó repetir más de cien veces la famosa escena en la que Nicholson dice: “Aquí está Jack”. Algo parecido ocurrió cuando Tom Cruise hizo Eyes wide shut y tuvo que tragarse bilis hasta límites insospechados, casi hasta abandonar el rodaje, para la estrella que era por entonces el actor de perenne y encantadora sonrisa (posiblemente su marca física de mayor atractivo para la mayoría de la gente).

¿Tendría algo que ver con el rodaje el que Danny Lloyd sólo hiciese una película más después de El resplandor y que no quisiese ni discutir el participar en otra producción de cine? El perfeccionismo obsesivo de Kubrick podía ir en su contra a la hora de relacionarse con los actores y demás miembros del equipo creando un clima agradable y cómodo, pero le hacía sacar de la manga genialidades tan ocurrentes como los dobles sentidos de las palabras, como REDRUM que tiene el significado de asesinato escrito al revés (MURDER) y el de cuarto rojo (RED ROOM) al hacer referencia al cuarto de baño donde hablan Jack y Grady, anterior cuidador del hotel y asesino de toda su familia.

El resplandor habla de un escritor que quiere triunfar y de una mujer, la suya, que le “corta las alas” con la mejor de sus intenciones. Creo que Jack vive en una especie de ilusión permanente por alcanzar un éxito que no parece poder conseguir, el que le darían sus novelas, las que quiere hacer, esa es su mayor aspiración, pero Wendy no parece estar del todo convencida. Su esposa le da toda la prioridad a la seguridad familiar y trata de agarrarse a los trabajos que va consiguiendo su marido para seguir adelante. Su apoyo a Jack con relación al proyecto de convertirse en escritor es un apoyo descreído, tibio, sin esa fuerza suficiente que necesitaría el escritor para intentarlo con más determinación; su inmadurez y fragilidad de carácter no ayudarán a Jack Torrance; hay en todo esto un conflicto en la pareja protagonista, sobre todo por parte de un Jack que guarda el germen del resentimiento, algo que no será la causa principal de lo que acontezca después, pero sí ayudará a impulsarla en la frontera del cambio y cuando él todavía mantiene un cierto equilibrio mental.

El trabajo que le ofrecen en el Hotel Overlook durante el invierno, en donde tienen que hacer tareas de mantenimiento, será una buena oportunidad para que Jack pueda escribir e intentar sacar provecho de todo el tiempo libre y las ¿condiciones propicias? Tiene trabajo durante una temporada en la que podrá escribir, con que todos contentos…

El clímax de la película va in crescendo de manera mantenida y sin desfallecimientos y la sensación de claustrofobia e intranquilidad se acrecientan según se suceden las escenas. La música de Wendy Carlos (curioso, se llama igual que la protagonista) impresiona por una pureza que nos asoma al terror desde la electrónica. El entorno es muy adecuado para producir sensaciones de desamparo y la evolución en el comportamiento del protagonista será un añadido vital para aterrorizarnos. Mete más miedo Jack Torrance jugando con su pelota contra la pared del salón del hotel donde escribe que cualquier hombre lobo, psicópata asesino en serie o zombie que se tercien en competir con el “Gran Jack”.

Hasta que llega un punto en el que comienzan a pasar cosas muy extrañas. En el hotel se ha quedado alguien, o si no es así, eso es lo que parece. La duda que se nos crea, además de a nosotros, estupefactos espectadores, a la misma Wendy, atañe a si es Jack el que se está trastornando y comienza a ejercer cierta violencia sobre el hijo o es alguien ajeno a la familia (incluso podría ser el mismo hijo de la pareja, Danny, el que se autoinflingiera una lesión). Porque no sabemos muy bien con qué quedarnos, si con la aparente locura que está trastornando a Jack o todo lo que tiene que ver con un hotel que parece estar encantado (se descubrirá también que el hotel está hecho sobre un antiguo cementerio indio… ¿venganza de Espíritus indios antepasados por alterar la paz que suponían indefinida e inquebrantable?) Todo esto se unirá a los poderes que tiene no sólo Danny, por los que puede ver lo que pasará en el futuro y cosas que han sucedido en el pasado (de ahí el título de la película: un resplandor como imagen del pasado o del futuro, algo que podría ser una premonición), sino de uno de los empleados del hotel, Dick Hallorann, que habla con el chico poco antes de abandonar el hotel con toda la troupe y que le pone al corriente de lo que siente el niño y de algunos de los misterios que guarda el hotel Hoverlook (“Cuidado con la habitación 237”).

El resplandor es una película llena de amenazas, unas imaginarias y otras muy reales (o eso es lo que parece). Una de ellas sería la que para Jack supone su mujer Wendy, una relación que para el escritor es coercitiva, una castración de sus deseos, de sus posibilidades como individuo, de su valor y el que cree que tiene como escritor; esta amenaza está seguramente acrecentada en su cabeza y no debiera ser un impedimento para desarrollarse como escritor y como persona, incluso laboralmente hablando y sin contar con esa afición con la que querría vivir; sin embargo sí creo que existe ese algo de “cortar las alas” dulcemente, como ya he comentado antes, aunque a ella ya desde el principio se le haya puesto la etiqueta de buena y esa etiqueta brille aún más y se acreciente por la reacción desmedida y peligrosa del “pobre Jack”.

Otra amenaza sería la que su hijo Danny representaría para él cuando descubre todo lo listo que es y los poderes que tiene, algo que podría destruirlo y que no está dispuesto a consentir. Esta sí que podría ser una amenaza real y a considerar, pero se le puede llamar una amenaza positiva ya que el niño es inocente de lo que está ocurriendo y sólo quiere salvarse a sí mismo y a su aterrorizada madre.

Spoiler (No leer el Spoiler en color azul para no descubrirpartes de la película)

De hecho, al final, esa amenaza del hijo se convierte en la ruina para JackTorrance. Su hijo gana el duelo no deseado por él ni por su padre de nohaber perdido la cabeza, o de no haber intervenido los espíritus del HotelOverlook en su transformación. / FinSpoiler (Ya se puede seguir leyendo sinproblema)

Y finalmente nos encontraríamos con la amenaza más distinguible y que lleva el peso de la historia, la que produce Jack Torrance y su torbellino de violencia sanguinaria. El personaje nos va sobrecogiendo en su transformación. Jack es un verdadero lobo con un demonio metido en el cuerpo. Su fuerza y su trastorno lo convertirán en la peor y más cruel pesadilla para su, en apariencia, vulnerable familia. Nadie como Jack Nicholson podía haber interpretado un personaje de esa tipología. Su fama del mejor actor interpretando tíos desequilibrados (Klaus Kinski sería otro buen elemento haciendo de loco) la cimentó sobre todo con esta enorme película de Stanley Kubrick. Sus expresiones faciales son extraordinarias y tremendamente creíbles: su mirada alucinada y fija, su sonrisa fácil y marcada por una emoción de inestabilidad, sus movimientos espasmódicos y de una energía inusitada, su forma de hablar, a veces incluso babeando y con los ojos desorbitados, sus burlas maquiavélicas…por demasiadas cosas que el bueno de Jack sabe utilizar igual de bien que su hacha un gran guerrero vikingo.

Color y luz para una película de este género. ¿Dónde quedó la oscuridad de las clásicas películas de terror? ¿Y los sustos a los que nos tienen acostumbrados? Porque aquí a penas los hay, ni falta que hace, ni tampoco giros sorprendentes que nos dejen descolocados. Se sabe lo que ocurrirá más o menos, en eso es previsible, pero eso lejos de ser un fallo es un mérito porque conociendo por donde pueden ir los acontecimientos nos mantenemos alerta y expectantes; eso sucede no sólo por los matices que le dan más cuerpo al guión y nos distraen de una especie de obsesión que puede resultar densa y demasiado agobiante, sino por la forma de presentárnosla el maestro Kubrick. Aquí hay una evolución que conduce al horror de una forma desquiciada y desasosegante. La atmósfera lo inunda todo con su hermetismo y la locura de un personaje maldito que actúa movido por fuerzas incontenibles, las de fuera (fantasmas) o las de su mente inestable. En definitiva: un terror con un clímax como pocas veces se ha conseguido antes en una película de un género que pretende alterarnos de arriba abajo y producir sudores fríos… una película para el recuerdo, se quiera recordar o no, porque difícil es olvidar a Jack Torrance con ese hacha en alto y su sonrisa de demonio burlesco e inmisericorde.

El árbol de la vida/ Terrence Malick/ Estados Unidos 20011

2011-09-23T18:14:00.008+02:00

El cine de Terrence Malick mantiene sus constanteslírico-dramáticas y reflexivas. Las dos películas que había visto de esteautor, tan influenciado en su cine por el filósofo Martin Heidegger, La delgadalínea roja y El nuevo mundo, nome habían convencido al resultarme demasiado contemplativas, como si fuesenalgo así como ensayos sobre el mundo, el hombre y la existencia. Me abrumaron,sobre todo La delgada línea roja (El nuevo mundo no llegó a hacerlotanto, pero me aburrió, algo que no es incompatible con la calidad del film,que no discuto, al igual que sucede con Ladelgada línea roja).

El árbol de la vidatambién me abrumó, y mucho, pero me apasionó. Es de una belleza sobrecogedora ysus imágenes preciosistas se resisten a abandonar cada uno de los planos llenosde poesía que impregnan esta gran película sobre la existencia, como no (otravez), y la vida que la encierra, todo con un marcado aspecto metafísico.

Va de lo grande a lo pequeño, del cosmos inabarcable a lodiminuto de una familia y su devenir vital. En este pequeño universo hay dolory cambios, una lucha parecida a la que mueve el universo en continuaconfrontación entre los opuestos. Lo simbólico juega un papel importante en eldrama y sugiere de una forma muy personal e intensa.

Hay un padre, una madre, tres hijos y una educación. Elpadre y la madre son diferentes no sólo a la hora de enseñarles lo importantesino por la forma de demostrar el gran amor que sienten por sus tres hijos. Elamor está presente en cada escena y su fuerza desmesurada provoca dolor por losconflictos que encierra y que causa. Para la madre de Jack, el hermano mayor, el amor es lo más grande que hay y sin élpasaríamos por este mundo como sombras.El mensaje de la Sra O´Brien es de un enorme misticismo; muycreyente, quiere que sus hijos sepan laimportancia que tiene Dios en nuestras vidas.

No sólo el amor causará dolor sino los acontecimientos deuna existencia que muchas veces se nos escapan totalmente al control y producentragedias (niño del incendio y sus quemaduras en la cabeza).Esa sensaciónanárquica y de no poder controlar lo que ocurre producirá angustia y malestar. Jack culpa a su padre de no poder sabersolucionar y manejar lo dramático que la vida trae en ocasiones… un imposibleque la ingenuidad de un niño se resiste a admitir. La relación de amor- odioque Jack tiene con su padre esmotivada en gran parte por el conflicto que siente al aceptar mejor lo querepresenta la figura de la madre y mucho más a disgusto lo que significa elpadre y la influencia en su vida como símbolo de autoridad (dejemos de lado loque podrían sugerir algunas de las escenas relacionadas con lo Edípico).

El padre quiere que Jackaprenda que la vida en muchas ocasiones es cruel y que las personas tienen queluchar por su propio futuro (de mayor Jackve el lado codicioso de la gente, lo desprecia y su impotencia lo hace tocarfondo). Y no sólo eso: el padre quiere moldearlo con disciplina, pero con amor,y lo hace con severidad, se muestra duro para que esa “maldad” que todosllevamos dentro no nos maneje (escenas crueles del sapo…rotura de cristales enla ventana de una casa). Creo entender en el mensaje del padre, y lo querepresenta, un existencialismo que le da mayor importancia al estar frente alser. El personaje que interpreta BradPitt no parece que no sea religioso, pero tiene un sentido más práctico dela vida que el de su mujer. Creo que en la Sra O´Brien hay un determinismo que tiene quever con su religiosidad; eso se refleja en la manera de educar a sus hijos ytodo el amor que les brinda siempre que tiene ocasión (ausencias de su marido);su educación es flexible porque está basada sobre todo en el amor y la ternura.En su esposo ocurre algo diferente ya que para él existe eso que llamanlibertad, y habiendo libertad hay posibilidades y no demasiadas garantías, a noser que te muestres firme en todo momento y con gran determinación paraafrontar lo que suele venirse encima de uno cuando menos se lo espera, muchasveces trágicamente; para no sufrir demasiado daño es mejor estar preparado y elpadre de Jack asume esaresponsabilidad.

Soy de la opinión de que la Sra O´Brien es más feliz que su marido(aunque el drama haga en la mujer demasiada mella cuando se produce) viviendosu vida con esa espiritualidad y ese enorme amor a un Dios que está presente en toda la naturaleza. La espiritualidad de su esposo es diferente, y su religiosidad no parece que sea tanintensa, o más bien es practicada de otro modo.

La primera parte de la película es una explosión de imágenesllenas de luz y color. El responsable de tal espectáculo es Douglas Trumbell, el mismo que supervisólos efectos de 2001, Una odisea delespacio (las similitudes estéticas son claras); hay una naturaleza encontinuo devenir; los planos son deslumbrantes y lo lírico se perpetúa. Lasensación de trascendencia y religiosidad es patente y hay una síntesis en laque Terrence Malick nos ofrece lagrandiosidad del ciclo vital- natural. La sensación es la de que el directorestá ofreciendo un homenaje al Creador, para algunos bastante cursi, para otroscon un sentido que impregna y trasciende.

El estilo visual de esta primera parte, tanto en la visióncósmica del universo como en el de la naturaleza, es de una enorme belleza. Suestilo documental es nítido, inmaculado, de una armonía perfecta, como lamúsica, con coros salidos del mismísimo firmamento celestial, que ambienta esasimágenes tan plásticas (habíamos dicho que esta película es de una enormeespiritualidad, y si no lo dijimos explícitamente lo dejamos caer al menos).

La parte central, que es la que más me gusta; me parecesobrecogedora. Similar en ese marcado existencialismo a esa otra maravillosapelícula de Sofía Coppola titulada Las vírgenes suicidas. Se centra en lafamilia O´Brien. Hay vivenciasimportantes que marcan, ternura, aprendizaje, dolor. Del documentalismo estilo NationalGeographic o Cosmos de Carl Sagan en versión remasterizada y digitalizada, sepasa al docu-drama. Mucha cámara pegada a los personajes que parecen serseguidos desde su mismo cogote; primeros planos llenos de sentido e intensos;recuerdos que son como sueños en los que hay alguna enseñanza, algún mensaje nocaptado suficientemente bien o con la profundidad necesaria cuando se vivióaquello que vuelve a la memoria. Dureza vital y dudas existenciales queangustian y causan infelicidad y desamparo. Las experiencias enseñan y elrecuerdo es un buen instrumento para descubrirse a uno mismo. En el caso de Jack ese autoconocimiento será dolorosoy triste y producirá deriva vital. Para sus padres provocará un gran dolor porsentirse culpables de algún modo y no haber podido evitar la tragedia.

Al final se vuelve a lo más religioso; lleno de imágenessimbólicas y, como es la constante del film, de un enorme lirismo ytrascendencia.

Estreno Cine

Al servicio de las damas/ Gregory La Cava/ Estados Unidos 1936

2011-09-21T16:16:00.001+02:00

Comedia screwball de lainigualable Carole Lombard, esposa deltambién actor Clark Gable y muyllorada por éste cuando ocurrió el trágico accidente deaviación que le costó la vida a la actriz.

En esta simpatiquísima sátira de Gregory La Cava sobre la alta sociedad, sus caprichos ybanalidades de difícil asimilación para el resto del género humano (a no serque estés enamorado) hay un humor contagioso que resulta refrescante ytremendamente divertido heredado del teatro devariedades americano; la película se valorará no solamente, y sobre todo, por esesurrealismo similar al que se daba en muchas de las situaciones de laspelículas de los hermanos Marx sinotambién por una historia de amor distinta y original en donde cabe de todo,incluso la cosa más disparatada ya que lo que La Cavanos cuenta es una total locura en sí mismade la que podría haber sido hermana de Gruoucho, Harpo y Chico y su happy y apoderada familianeoyorkina residente en la quinta avenida.

Aquí abunda el capricho y la vida alegre y sin preocupaciones. No hay malos sentimientos sino poca, o ninguna, concienciasocial ni cercanía con la realidad que rodea esa especie de palacio ajeno a lasdificultades de la vida en el que habita y seaburre (aunque a veces hagan cualquier cosa para divertirse, como emprender unjuego descabellado que servirá para hacer arrancar la historia) la excéntricae ingenua, al menos eso es lo que aparenta, Irene Bullock, protagonistade esta comedia; aunque no demuestre esa inocencia que marca su personalidad, yque tan graciosa y encantadora la hacen, por sus resultados con el mayordomo contratado, Godfrey(Michael Powell, un actor que había estado casada con ella anteriormente antes de hacerlo con Clark Gable), en esa especie de juego divertido (para los que lo realizan), pero con un algo de perverso,en un parque lleno de vagabundos de los que el mismo Godfrey forma partepor motivos personales que nada tienen que ver con su valía como persona sinopor un drama del que no logra sobreponerse yque se desencadena por un desengaño amoroso que posiblemente no quiera repetirahora con Irene, aunque sus sentimientosle empujen a ello.

Lo único que le resta (pero poco,muy poco) a esta espléndida screwball es un final un tanto precipitado ybastante melindroso; un happy end que sorprende no por el fondo, el resultadofinal, sino por las formas en las que se produce; de cualquier modo eso no dejade hacer deliciosa esta película de La Cava. ¿No ocurríaacaso lo mismo en la película Sospecha,de Alfred Hitchcock, a pesar deun final impuesto e innecesario?

Premio Bloggero

2011-09-14T15:42:00.003+02:00

Hola amigos cinefilos!

Hoy tengo que decirles que herecibido con mucho agrado la noticia de que me han dedicado un premio bloggero,en uno de los bogs que visito con frecuencia: Cine Puro, cosa que a cualquierale alegra el día, y desde ya agradezco el buen gesto de su administrador,daniel.

El premio Bloggero consiste en una forma de conocerse entrebloggers, y al mismo tiempo ayuda a que tu blog sea un poco más conocido en lablogosfera.

El premio tiene unos requisitos que deben cumplirse, los cuales son:

-Anunciarlo en una entrada de tu blog.
-Premiar a otros 10 blogs amigos y avisarles.
-Poner un enlace al blog que te ha otorgado el premio.
-Compartir tu frase y explicar por qué te gusta.

Y la frase míaes la siguiente: “Existe un límite, una demarcación clara entre lo que puedeser conocido de un modo objetivo y lo que no puede serlo, es decir, unademarcación clara entre ciencia y metafísica. Ese límite es la experiencia”.(Immanuel Kant)

Vamos, que sólola experiencia te da un conocimiento tangible. Las verdades absolutas puedenexistir, pero nunca se podrían llegar a conocer con certeza. Lo en sí se suponeque existe independientemente de que un sujeto lo conozca o no y es causa decualquier impresión que afecte nuestra sensibilidad, pero cualquier afirmaciónsobre lo en sí carecería de sentido.

Los 10 blogs que he elegido son:

1- BCN (Después de 1984)

2- Jesús (Las mejores películasde la historia del cine)

3- Raül (El cinéfago de lalaguna negra)

4- Sidhe (La noche de loswasabis verdes fritos)

5- Lillu (Lullusion)

6- Dr Gonzo (Motivos paralevantarse)

7- Worc (Esto es uncaracol… y derrapa)

8- Einer (Almas sucias)

9- Ricard (Classics decinema)

10- CreatiBea (vinividivinvi)

El demonio bajo la piel/ Michael Winterbottom/ Estados Unidos 2010

2011-09-13T01:01:00.006+02:00

Basado en la novela negra de James Myer Thomson “Thekiller inside me”, escrito que ya había sido llevado al cine en el año 1976por Burt Kennedy y protagonizada porel televisivo actor Stacy Keach, famosopor la conocida serie de los años ochenta MikeHammer.

Thomson publicómás de 30 novelas, la mayoría sacadas por editoriales de historietas de crimende ficción, las populares (sobre todo gracias a Quentin Tarantino) pulp fiction.

La película fue rodada entre Mayo y Junio de 2009 alcanzandosu presupuesto la cifra de 13 millones de dólares.

Cuando supe que el film era de Michael Winterbottom no pude dejar de alegrarme; lo poco que habíavisto de él me había parecido de lo más interesante y variado, me había gustadomucho, la verdad. No sólo había tocado el tema de las bandas de música quesurgían en Gran Bretaña, y sobre todo en la ciudad de Manchester, en un tono decomedia simpática y chispeante, a finales de los 70 y toda la década de los 80,en 24 hours party people, undespiporre divertido, en ocasiones surrealista y aderezada con drogas ybastante sexo que contagiaba por su vitalidad y buen rollo, sino que se habíaembarcado en la fascinante Código 46,film de ciencia ficción muy cercana a lo que podríamos tener entre nosotros enmuy poco tiempo, algo similar en ese sentido a lo que nos ofrecía la excelente Gattaca.

En esta ocasión Winterbottomme convence absolutamente con este Thriller de género negro que nos lleva alestado de Texas en plenos años 50 y en el que se sigue el recorrido criminal,preciso y acotado en el tiempo y el espacio, del sheriff adjunto Lou Ford, interpretado con enormeconvicción por Cassey Affleck (quecomo le dice su jefe en la película: “¿por qué siempre tienes esa sonrisa dechico que ha cometido una travesura?”), un psicópata que va cerrándose elcírculo creado por él mismo irremediablemente hasta su propia extinción.

Por el camino deja mentiras y muertes cruelmente atroces,frías por premeditadas, aunque parezca que un conflicto intenso y dolorosoazote su interior: “tengo un pie en cada lado de la valla. Lo tengo desde hacetiempo y no puedo hacer nada, salvo esperar o partirme en dos”, dice en la películael protagonista.

Lou es unpersonaje extraño, con un pasado inquietante que lo persigue. Vive siempre bajo las miradas curiosas de la gente, perono parece importarle demasiado. Se sabe especial y no puede dejar de hacer loque le dice su instinto. El riesgo a que lo descubran no es suficienteimpedimento. Su voluntad generadora de maldad y dolor es lo que cuenta. En estaatmósfera enfermiza y llena de malignidad es en la que se mueve un sociópataque se reconoce perfectamente avanzada la película cuando comienzan sus maldisimuladas mentiras y golpea vilmente, y con saña extrema, a la prostituta queempezaba una relación con él a la vez que la continuaba manteniendo con uncompañero de instituto del policía, cuyo padre (compañero de Lou), un rico e influyente constructor, Chester Conway, había tenido contacto conLou y su hermano adoptivo muerto enextrañas circunstancias cuando trabajaba para el poderoso hombre de negocios.No sólo Lou tiene secretos queesconder, los otros que tienen relación con él (inclusive los que lo persiguen)también guardan los suyos.

Winterbottom nosofrece un film durísimo, pero sin que deje de ser excelente en su realización,sobre un asesino con piel de cordero y muy mal interior. La espiral de muerte ala que se lanza Lou Ford es de únicadirección y no tiene marcha atrás.

Los conflictos sexuales, como lo que parece un incipientesadomasoquismo, que surgen en la infancia se reflejan de vez en cuando y nisobran ni son innecesarios. El no insistir demasiado en ellos es un aciertopara no perder un ritmo adecuado que nos va contando los sucesos sinralentizaciones o cambios bruscos; el equilibrio narrativo es impecable y su eleganciaen la puesta en escena resulta sencilla y sin florituras, bastante ideal encuanto a un clasicismo heredero del cine negro de los años 50.

Y como buen cine negro no puede dejar de aparecercorrupción, tentaciones e infidelidades, secretos y un clímax de triste final,aunque merecido tan sólo para uno de los integrantes de este crudo espectáculoque podría herir la sensibilidad de algún espectador, sobre todo por dosescenas que guardan bastante parecido y que impresionan.

Lo único que flojea un poco es la sensación de quedar cabossueltos de guión y algunas imprecisiones que no aclaran suficientemente eldevenir de los acontecimientos, algo no demasiado trascendente ya quecualquiera puede imaginarse ciertas cosas a las que no se les da una explicacióncerrada, pero que se sugieren con bastante encanto. Esos personajes que parecensalir de la nada no necesitan mucho más de lo que nos muestran porque no tienenuna relevancia en la historia hasta el punto de merecer más pantalla, sonpresencias que completan el cuadro, pero que están a un lado, como difuminadas,para completar la escena; ahí tenemos a BillPullman sobre todo, o algunos que tan sólo se nombran, como el hermanastrode Lou, o Chester Conway, el rico empresario dueño de medio condado, personajeoscuro que ejerce su influencia en el film entre bambalinas, o el mismísimo Elias Koteas, aunque en menor medida quelos anteriores, con sus molestas indagaciones que tienen que ver con Lou, suhermanastro o Conway…” Cuéntale lasmentiras a otro, Lou”.

Las zapatillas rojas/ Michael Powell, Emeric Pressburger/ Gran Bretaña 1948

2011-09-01T19:54:00.008+02:00

Estaes una de las películas favoritas de directores tan consagrados como FrancisFord Coppola o Martin Scorsese. Este último hace un homenaje de lapelícula en New York New York que queda muy por debajo de la calidadcinematográfica- o sea: artística- de Las zapatillas rojas (hablamos deuna obra de arte y, posiblemente, la película británica más famosa de lahistoria del cine junto con Lawrence de Arabia o Breve encuentro,la cual se realizó tres años antes de la película que nos ocupa. Es como sihabláramos de Bienvenido Mr Marshall, Muerte de un ciclista, ElVerdugo o Viridiana en España; La dolce vita, Roma,ciudad abierta o Alemania año 0 en Italia o Ciudadano Kane,Lo que el viento se llevó, Casablanca o El padrino en USA.

El virtuosismo de sus imágenes nosimpregna desde el elemento más sensible que sería el cromatismo del color: untechnicolor fotografiado por un tal Jack Cardiff, que hace un trabajoprodigioso, hasta los encuadres elegantes y llenos de clasicismo, pasando poruna puesta en escena perfecta, llena de sentido y simbolismo (sobre todo en lasrepresentaciones del ballet y en el mismo argumento de la película, obra delclásico Andersen, ¡sí, el de los famosos cuentos!).

Coppola también le hace un homenaje claro ensu reciente película Tetro. En ella hay una escena calcada a Laszapatillas rojas en la que en un paisaje, en el que bailan un hombre y unamujer, se mezcla un mar con un suave oleaje con el mismo escenario donde serepresenta el baile. Las dos escenas son de una fuerza visual apabullante,parecen sacadas de un cuento fantástico donde todo fuera magia y felicidad, escomo un sueño del que no quisieras despertar. Aquí Coppola sacó todo suvirtuosismo y sí es un buen homenaje a Las zapatillas rojas, aunquedemasiado parecido en los elementos que salen ya mencionados
(el mar y el escenario)

Las zapatillas rojas es un drama romántico, de unaamabilidad agridulce, sin demasiados fatalismos a excepción de un final muytriste y desgarrador. Hay una dualidad en la que hay que elegir porque no valenmedias tintas si se quiere llegar a lo más grande en el mundo del arte, en estecaso en el mundo del ballet clásico, y este conflicto que surge, al tener queelegir entre el amor o la grandeza que el arte puede proporcionar, lleva a ladesesperación y a un trágico final; no se pueden amar dos cosas con la mismaintensidad sin que una interfiera en la otra, y el tiránico productor Lermontovno está dispuesto a que su gran y reciente estrella no piense en otra cosa queno sea en su trabajo para así poder hacer de ella la mejor bailarina de todoslos tiempos; aquí Lermontov ejerce de pigmalión como lo hace el profesorprotagonista de My fair lady con Audrey Hepburn para convertirlaen una gran dama de la alta sociedad; sólo que en My fair lady elprofesor está enamorado de ella y ella de él, sin embargo en la película quenos ocupa la bailarina está enamorada de un compositor del que se vale también Lermontovpara triunfar; Lermontov tiene buen ojo para saber quien tiene talento yquien no lo tiene, pero ese es su mayor talento, valga la redundancia: utilizael genio que pueden tener otros para su triunfo personal; es un egocéntricoredomado y un manipulador, aunque muy inteligente, así es como consigue todo loque se propone; además, y como síntoma al miedo que puede tener no controlarlotodo, ni a todos, no consiente que sus estrellas puedan distraerse de lo que essu dedicación exclusiva al ballet, por lo que prohíbe que el amor pueda tenercabida en sus vidas: el amor podría ser más fuerte que el éxito que él puedeproporcionar y esto arruinaría su negocio.

Laszapatillas rojas tiene mucha de la estética del Mago de Oz en lapuesta en escena de la obra, que ocupa unos 15 minutos de metraje y que essencillamente sublime (aunque suene cursi la palabrita); del Mago de Oz,que es del 39 (la más antigua y muda es del 25), coge ciertos efectos visualesque no chirrían en absoluto adaptándose a la perfección a la dinámica precisade la obra (me refiero a los 15 minutos que dura la representación de la obra Laszapatillas rojas, no a la película en su totalidad). También encontréestilos parecidos de esta película con Cantando bajo la lluvia en lo quea las actuaciones musicales de ésta se refiere: son dinámicas, elegantes,vivaces y con expresiones de los actores elocuentes de que están haciendo algogrande, o viviéndolo.

La película pasa de una forma que pareces no enterarte porque esprecisa y huye de la paja que pueda hacernos abrir la boca. Su dinamismo esredondo y su motor no deja de girar a un ritmo ideal, armónico, sin ningún tipode brusquedad; por eso no da la sensación de lentitud en ningún momento sinotodo lo contrario.

Por último añadir que el espectáculo de Laszapatillas rojas sería de un grado parecido al espectáculo que se muestraen Moulin Rouge (Nicole Kidman), pero de un corte diferenteporque es puro clasicismo formal (Moulin Rouge es moderna, innovadora enalgunas cosas… tiene poco de clasicismo, aunque tal vez dentro de 40 años sí sela considere más clásica); sin embargo creo que la intensidad de Laszapatillas rojas está por encima de Moulin Rouge con la que aúncomparte más semejanzas como es historia de amor de dos artistas y un productorque trata de beneficiarse, o aprovecharse, de lo que puede ofrecer alguno deellos; en el caso de Las zapatillas rojas el talento de la bailarina, yen el caso de Moulin Rouge “ la mujer de una pieza” (Nicole Kidman:su belleza y su gracia ya que de eso era de lo que vivían las mujeres quetrabajaban en aquel cabaret)

Arrástrame al infierno/ Sam Raimi/ Estados Unidos 2009

2011-08-31T12:17:00.003+02:00

Película muy entretenida de terror que parte de un guión normal, a veces demasiado previsible, para que Sam Raimi se luzca por otros caminos que tienen que ver más con su estilo y la atmósfera que recrea, para que nos mantenga pegados y con los ojos bien abiertos mostrándonos las excelencias de lo sobrenatural y su efecto sobre nosotros. Aquí hay una premisa misteriosa que es la que hace poner el hidrato de carbono suficiente para que el plato deje satisfecho; y ese hidrato de carbono tan necesario en este tipo de películas, fantásticas con un componente de terror, es ese misterio que nosotros (los espectadores) conocemos, pero que todos, o gran parte de los personajes que salen en la película desconocen, o tienen ciertos indicios que preocupan, pero que no saben con exactitud cuál es la causa que atormenta a alguno de los protagonistas. El ir indagando en eso es lo que nos entretiene en gran medida. ¿Referentes? Drácula y todo lo que tiene que ver con el origen del problema de una de las protagonistas y el por qué pierde tanta sangre y se siente morir (me refiero a Lucy más que a Mina Harker, porque cuando Mina ya está poseída el misterio ya está resuelto- por parte de los demás personajes de la película, ya dijimos, porque los espectadores ese problema ya lo tenemos resuelto desde el principio, lo que ocurre es que ese concepto del misterio del problema y su desarrollo es el que crea esa atmósfera tan característica y necesaria en este tipo de películas y con la que nos sentimos intrigados unos y desasosegados otros, los más sensibles), o pasar a una vida distinta en la que no se envejece;¿aquí cual sería ese misterio? Saber que le pasa realmente a la víctima de Drácula y, una vez que se sabe, saber quien le ocasionó aquello; es en ese punto donde interviene Van Helsing, un doctor que sabe de estas cosas, haciendo a la vez de hilo conductor de la trama y de héroe; él es el que explica quién es Drácula y cómo vencerlo, él es parte importante para que la destrucción del monstruo se ejecute de una manera correcta, efectiva y definitiva (hasta que llegara otra entrega de la Hammer aprovechando el filón). ¿Otro referente? El hombre lobo; ¿misterio a desentrañar para que se pueda hacer algo al respecto? Cuál es el origen del mal que tiene el hombre que se transforma en lobo. El mismo hombre convertido no sabe muy bien qué le ocurre cuando empieza a sentir los síntomas y por qué (esto ocurre en algunas de hombres lobo), hasta que se da cuenta de que un lobo lo mordió y esa podría ser la causa de su mal; es entonces cuando acude a un especialista en estos casos (una especie de Van Helsing, pero de hombres lobo, o una vieja gitana) y cuando el misterio comienza a despejarse, poco a poco, dándole a la película ese ambiente necesario. Otra: El exorcista… ¿misterio? Qué es lo que le ocurre a la niña. ¿Soluciones? Médicos y sesiones maratonianas de pruebas grimosas, o un cura, que curiosamente es psiquiatra (esto le da un punto de conflicto interesante); hasta que descubren realmente que es lo que tiene la pobre niña que parece estar más muerta que viva por obra del maligno.

¿Y en esta de Arrástrame al infierno cuál sería el misterio? Es clarísimo: aunque la protagonista sabe que es una maldición, tiene que estar segura de que no está equivocada y de que no es una locura suya; además: una vez sabido esto, tiene que asegurarse de saber cuál es la posible solución; ¿y quién la ayuda? Pues un espiritista que la asesora y se acojona a un tiempo porque no lo ve muy fácil; aquí este espiritista sería otro “Van Helsing”, en este caso con menos protagonismo.

Sam Raimi vuelve al puro entretenimiento y a las vísceras, pero mostradas con cierta elegancia, que eso siempre es difícil tratándose de vísceras y sangre, o sea: tratándose de gore, pero al estilo Raimi, un gore simpático (hay quien dice que hay humor negro, auque yo no lo veo; no aprecio comedia por ningún lado, auque te puedas reír con alguna escena) y decidido, en ocasiones espeluznante, pero no demasiado desagradable hasta el punto de perder el buen gusto. Raimi es un tío racional y equilibrado para estas cosas, por eso hace casi todo bien: ¿que hay que hacer una de superhéroes? Pues va y se marca esa saga maravillosa de Spiderman, a pesar de su protagonista, ¿que hay que hacer un thriller de los buenos, efectivo y contundente, con un gran guión? Pues el tío va y se nos marca una genialidad como es Un plan sencillo, ¿que hay que hacer fantástico con un toque a cómic? Va y nos deleita con Darkman. Sólo una pequeña pega a su corta filmografía: Rápida y mortal, es una tontería a pesar de ese ejercicio de estilo tan bueno. El western no sólo es eso cuando se encierra en un espacio reducido, lo sería de haber intimidad o un estudio de los personajes desde la psicología, el western es también, y sobre todo, aventura y disparos, grandes cabalgadas, persecuciones de indios a rostros pálidos o de hombres con chapa a forajidos, sean o no de leyenda.

Decir finalmente que Arrástrame al infierno recuerda en ciertos aspectos a dos de sus pelis: Darkman (de esta coge el toque más fantástico, su estética y todo lo que tiene que ver con los efectos, además del estilo, como en todas las suyas) y Posesión infernal. Haz un cocktail con estas dos pelis y te saldrá algo parecido a Arrástrame al infierno, pero con menos fuerza y originalidad que las otras dos que forman los componentes antes citados para hacer la agradable y refrescante bebida.

Silverado/ Lawrence Kasdan/ Estados Unidos 1985

2011-08-26T17:01:00.003+02:00

Cuando este género estaba en desuso, Lawrence Kadan se decidió a hacer una a la vieja usanza, bastante clásica, con muchas de las demostraciones vigorosas que siempre se habían utilizado en este tipo de películas, en donde se encuentra aventura, riesgo (ahí están los siempre tensos duelos), camaradería y amistad, grandes espacios, hombres fuera de la ley y sheriffs corruptos que hacen lo que quieren en un pueblo que está a su merced, conflicto y enfrentamiento entre buenos y malos, aquí con alguna ambigüedad hasta bien entrada la película, no tan magistralmente matizada ni con el mismo grado de intensidad que en Sin perdón, de Clint Eastwood, pero en la que un Kevin Kline reflexivo parece moverse entre la amistad de sus nuevos amigos, a los que considera hombres nobles y con principios similares a los suyos, y la lealtad incómoda hacia su antiguo socio (más bien por un deber irracional por ser alguien conocido con el que compartió momentos importantes que por verdadera amistad) que ahora es sheriff del pueblo en el que se comporta como un verdadero hijo de mala madre (por usar la palabra más suave), un hombre que usa su placa para beneficiarse de todo un pueblo al que tiene subyugado.

Cuando Kline se decide a ayudar a los buenos la guerra está servida y la acción se mantiene con un ritmo que no desfallece; el dinamismo del guión y su complejidad, sin que resulte complicado ya que se pilla todo lo que ocurre con una facilidad que es encomiable y que no necesita ningún tipo de explicación extra que rompa dicho ritmo, hacen que no nos aburramos y que esperemos impacientes cómo se van a suceder todos los frentes abiertos, contados de una manera sencilla y elegante y que más tarde se cerrarán adecuadamente con una brillantez digna de un excelente realizador, como lo es Lawrence Kasdan.

Resumiendo: magnífico western que no desmerece en absoluto los más clásicos y recordados del género que se hicieron 30 o 40 años antes, a excepción de los grandes westerns. Se puede decir que con Silverado hay una revitalización del género del oeste muchos años después de haberse visto los clásicos del género, revitalización que se dio, pero de otra forma, con el spaghetti de los 70 y que Clint Eastwood llevó hasta el escalón más elevado con El jinete pálido y más tarde con un todavía nuevo impulso llevado a cabo con la sin igual Unforgiven.

Super 8 / J.J Abrams/ Estados Unidos 2011

2011-08-21T13:02:00.006+02:00

Claro homenaje alcine de Steven Spielberg, que laproduce, y a todas aquellas películas de gran frescura y fáciles de ver quesiguieron la estela del maestro autor de títulos tan emblemáticos como ET, el extraterrestre, En busca del arca perdida o Encuentros en la tercera fase, pornombrar algunos de los films más conocidos de los 80 o muy cercanos a esadécada dorada de su cine, una de ellas. En este homenaje de J.J. Abrams nos encontramos con muchasde las características que forman parte del estilo inconfundible de estecreador de ilusiones vistas con los ojos de un niño. La inocencia hará evocar emocionesde asombro típicas en una edad en la que todavía se está formando gran parte delo que serán nuestras personalidades. Ya con el simple título nos damos cuentade tal homenaje: Spielberg rodó susprimeras imágenes de ficción con una cámara Super 8 igual que la que usan losniños de la película para hacer su aproximación al cine de zombies y tomar losprimeros contactos con la cámara y las imágenes, igual que hizo Spielberg en su momento. No fueronexactamente homenajes los que hicieron directores que cayeron bajo lainfluencia tanto de Spielberg como deGeorge Lucas, cuya productora deefectos especiales (magníficos) trabajó para la película, como John Landis, Joe Dante o el mismo TomHolland en alguna de sus películas de género de terror, sino que fuerondisciplinados discípulos, más o menos confesos, que siguieron un caminoiniciado por el maestro y que llenó de espectadores ávidos de aventura ehistorias extraordinarias los cines de medio planeta. Es por ello normal que eneste homenaje se aprecien cosas de películas como Los Goonies en esas relaciones de amistad y compañerismo de unosniños unidos por la aventura y con un parecidísimo sentido del humor, Noche de miedo, o la misma Gremlins, en la recreación de esemisterio y su equilibrada evolución, y que siguieron mucho más allá de los 80hasta reconocerse en otras películas tipo Destinofinal producida más de 20 años después. Pero si Super 8 tiene aspectos de estos directores es imposible que no lostenga del maestro. La película es muy parecida a ET, el extraterrestre y a Encuentrosen la tercera fase. De hecho los malos de ET salen del mismo lugar que losde Super 8 y hacen las cosas de unmodo muy parecido, y los buenos, chicos incluidos, y familias que los quierenmás que a nadie en este mundo, se zafan de los malos y actúan como lo hacíanlos protagonistas de ET. Ese es otro de los rasgos característicos del estilo de Spielberg que recrea Abrams en su película-homenaje: laimportancia de la familia y el marcadosentimentalismo en las relaciones, muy humanas y enternecedoras… ¿a quién no sele humedecieron los ojos en la relación que mantenía ET con su amigo y niño cuidador? El encuentro de ese niño consu padre y las emociones que salen a flote son parecidas a las que manifiestael policía padre del niño protagonista en Super8. Y es que Spielberg gestionabamuy bien el lado emocional y en este buen homenaje también se cuida eseaspecto.

La película esesencialmente de género fantástico y de aventuras. Hay misterio y algo deacción desarrollada con un ritmo acertado; tiene también una especie dehipnotismo que aparece por la perfecta sincronización de la música y lasimágenes; esto hará que el espectador sucumba a la emoción que el director,igual que hacía Spielberg, quiere crear de una forma totalmente inducida yplanificada. Al ser de género fantástico y recurrir a elementos poco cotidianos, rozando, o llegando a tocarplenamente, lo inverosímil, hará que la historia sea más bella desde suplasticidad. Esto no hará que la parte más real o la temática a desarrollar seeclipse o estropee. Los encuadres, el ritmo, la acción o la iluminación hacenavanzar tanto los momentos de clímax como cambiar su discurso. La iluminación,concretamente, matizará a los personajes individualmente. No sólo los diálogos,acciones o movimientos lograrán crear ambientes sino esa iluminaciónindividualizada. Hay un equilibrio entre lo técnico y lo artístico en laspelículas de Spielberg, aunque en Super 8 la parte técnica esté másdesarrollada; aquí tiene mucho que ver la digitalización y el excesivo uso deella en las escenas de acción. Los personajes infantiles suelen tener algúntipo de problema o conflicto o tienden a aislarse, en Super 8 hay una tragedia familiar que marca al niño y al padre. Esohará que su mundo interior sea rico de contenidos y que sean niños especiales,muy enternecedores y que se sienta gran empatía por ellos. Los diálogos suelenser muy clásicos y de naturaleza escénica en esos momentos en los que hay querecrear atmósferas, acciones físicas o estados anímicos. Con detalles simpleshay información suficiente y útil sin la necesidad de recurrir a diálogosinterminables y aburridos o a largas tomas insufribles. El uso de los planos ylos movimientos de cámara (se pasa de un plano largo, o mendio-largo, a uno máscercano, incluso primer plano muy detallado) se hace para resaltar lo que sucedeen una escena. La técnica Spielbergla usaba mecánicamente y Abrams es unfiel discípulo en ese sentido; eso le servirá para la planificación más certerade muchas de las escenas. Y una cosa más a destacar es que los datos que seofrecen los irá retomando para hacer avanzar la trama y crear complicidad y guiños con respecto alespectador (el niño pirómano y su afición a quemar todo lo que le apetece, eltrágico accidente de la madre del niño protagonista, el físico del dueño de lacámara que quiere hacer la película o la aparente lentitud de reflejos del queparece mayor del grupo y lleva gafas, etc), con ello hay una clara intención de haceridentificar al público con el personaje en cuestión. Y por último comentar queel alienígena, versión similar a la de ET, pero con algo más de mala hostia pormotivos más que comprensibles y justificables (se las hicieron pasar muyjodidas al pobre bicho), es un simpático mcguffin para contarnos esa historiade amistad y familia con bastante sentimiento, muy bien representada, como lohacía el maestro Spielberg.

Estreno Cine